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IN THE MOOD FOR NEWS (infos, photos, vidéos...)

  • Festival International du Film Culte de Trouville 2017 : votez pour votre film parmi ces 55 chefs-d'oeuvre du cinéma

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    Pour sa deuxième édition, le Festival International du Film Culte de Trouville vous propose de voter pour votre film parmi ces 55  chefs-d'oeuvre du cinéma musical (thème de cette deuxième édition), choisissez-en un et un seul sur la page Facebook du festival ! En plus d'être programmé le favori se verra remettre le Prix du Film Culte Vintage, lors de la prochaine édition qui se tiendra à Trouville-sur-Mer du 22 au 25 juin 2017 !

    Votez par ici sur mobile : http://bit.ly/2kZTjhz

    Je viens de voter pour "On connaît la chanson" d'Alain Resnais dont je vous propose la critique en bonus ci-dessous. Et vous, pour quel film, allez-vous voter ?

    Toute la malice du cinéaste apparaît déjà dans le titre de ce film de 1997, dans son double sens, propre et figuré, puisqu’il fait à la fois référence aux chansons en playback interprétées dans le film mais parce qu’il sous-entend à quel point les apparences peuvent être trompeuses et donc que nous ne connaissons jamais vraiment la chanson…

    Suite à un malentendu, Camille (Agnès Jaoui), guide touristique et auteure d’une thèse sur « les chevaliers paysans de l’an mil au lac de Paladru » s’éprend de l’agent immobilier Marc Duveyrier (Lambert Wilson). Ce dernier est aussi le patron de Simon (André Dussolier), secrètement épris de Camille et qui tente de vendre un appartement à Odile (Sabine Azéma), la sœur de Camille. L’enthousiaste Odile est décidée à acheter cet appartement malgré la désapprobation muette de Claude, son mari velléitaire (Pierre Arditi). Celui-ci supporte mal la réapparition après de longues années d’absence de Nicolas (Jean-Pierre Bacri), vieux complice d’Odile qui devient le confident de Simon et qui est surtout très hypocondriaque.

    Ce film est pourtant bien plus que son idée de mise en scène, certes particulièrement ludique et enthousiasmante, à laquelle on tend trop souvent à le réduire. A l’image de ses personnages, le film d’Alain Resnais n’est pas ce qu’il semble être. Derrière une apparente légèreté qui emprunte au Boulevard et à la comédie musicale ou du moins à la comédie (en) »chantée », il débusque les fêlures que chacun dissimule derrière de l’assurance, une joie de vivre exagérée, de l’arrogance ou une timidité.

    C’est un film en forme de trompe-l’œil qui commence dès la première scène : une ouverture sur une croix gammée, dans le bureau de Von Choltitz au téléphone avec Hitler qui lui ordonne de détruire Paris. Mais Paris ne disparaîtra pas et sera bien heureusement le terrain des chassés-croisés des personnages de « On connaît la chanson », et cette épisode était juste une manière de planter le décor, de nous faire regarder justement au-delà du décor, et de présenter le principe de ces extraits chantés. La mise en scène ne cessera d’ailleurs de jouer ainsi avec les apparences, comme lorsqu’Odile parle avec Nicolas, lors d’un dîner chez elle, et que son mari Claude est absent du cadre, tout comme il semble d’ailleurs constamment « absent », ailleurs.

    Resnais joue habilement avec la mise en scène mais aussi avec les genres cinématographiques, faisant parfois une incursion dans la comédie romantique, comme lors de la rencontre entre Camille et Marc. L’appartement où ils se retrouvent est aussi glacial que la lumière est chaleureuse pour devenir presque irréelle mais là encore c’est une manière de jouer avec les apparences puisque Marc lui-même est d’une certaine manière irréel, fabriqué, jouant un personnage qu’il n’est pas.

    Le scénario est signé Agnès Jaoui et Jean-Pierre Bacri et témoigne déjà de leur goût des autres et de leur regard à la fois acéré et tendre sur nos vanités, nos faiblesses, nos fêlures. Les dialogues sont ainsi des bijoux de précision et d’observation mais finalement même s’ils mettent l’accent sur les faiblesses de chacun, les personnages ne sont jamais regardés avec condescendance mais plutôt lucidité et indulgence. Une phrase parfois suffit à caractériser un personnage comme cette femme qui, en se présentant dit, « J’suis une collègue d’Odile. Mais un petit cran au-dessus. Mais ça ne nous empêche pas de bien nous entendre ! ». Tout est dit ! La volonté de se montrer sous son meilleur jour, conciliante, ouverte, indifférente aux hiérarchies et apparences…tout en démontrant le contraire. Ou comme lorsque Marc répète à deux reprises à d’autres sa réplique adressée à Simon dont il est visiblement très fier « Vous savez Simon, vous n’êtes pas seulement un auteur dramatique, mais vous êtes aussi un employé dramatique ! » marquant à la fois ainsi une certaine condescendance mais en même temps une certaine forme de manque de confiance, et amoindrissant le caractère a priori antipathique de son personnage.

    Les personnages de « On connaît la chanson » sont avant tout seuls, enfermés dans leurs images, leurs solitudes, leur inaptitude à communiquer, et les chansons leur permettent souvent de révéler leurs vérités masquées, leurs vrais personnalités ou désirs, tout en ayant souvent un effet tendrement comique. De « J’aime les filles » avec Lambert Wilson au « Vertige de l’amour » avec André Dussolier (irrésistible ) en passant par le « Résiste » de Sabine Azéma. C’est aussi un moyen de comique de répétition dont est jalonné ce film : blague répétée par Lambert Wilson sur Simon, blague de la publicité pour la chicorée lorsque Nicolas montre la photo de sa famille et réitération de certains passages chantés comme « Avoir un bon copain ».

    Chacun laissera tomber son masque, de fierté ou de gaieté feinte, dans le dernier acte où tous seront réunis, dans le cadre d’une fête qui, une fois les apparences dévoilées (même les choses comme l’appartement n’y échappent pas, même celui-ci se révèlera ne pas être ce qu’il semblait), ne laissera plus qu’un sol jonché de bouteilles et d’assiettes vides, débarrassé du souci des apparences, et du rangement (de tout et chacun dans une case) mais la scène se terminera une nouvelle fois par une nouvelle pirouette, toute l’élégance de Resnais étant là, dans cette dernière phrase qui nous laisse avec un sourire, et l’envie de saisir l’existence avec légèreté.

    Rien n’est laissé au hasard, de l’interprétation (comme toujours chez Resnais remarquable direction d’acteurs et interprètes judicieusement choisis, de Dussolier en amoureux timide à Sabine Azéma en incorrigible optimiste en passant par Lambert Wilson, vaniteux et finalement pathétique et presque attendrissant) aux costumes comme les tenues rouges et flamboyantes de Sabine Azéma ou d’une tonalité plus neutre, voire fade, d’Agnès Jaoui.

    « On connaît la chanson » a obtenu 7 César dont celui du meilleur film et du meilleur scénario original. C’est pour moi un des films les plus brillants et profonds qui soient malgré sa légèreté apparente, un mélange subtile –à l’image de la vie – de mélancolie et de légèreté, d’enchantement et de désenchantement, un film à la frontière des émotions et des genres qui témoigne de la grande élégance de son réalisateur, du regard tendre et incisif de ses auteurs et qui nous laisse avec un air à la fois joyeux et nostalgique dans la tête. Un film qui semble entrer dans les cadres et qui justement nous démontre que la vie est plus nuancée et que chacun est forcément plus complexe que la case à laquelle on souhaite le réduire, moins lisse et jovial que l’image « enchantée » qu’il veut se donner. Un film jubilatoire enchanté et enchanteur, empreint de toute la richesse, la beauté, la difficulté, la gravité et la légèreté de la vie. Un film tendrement drôle et joyeusement mélancolique à voir, entendre et revoir sans modération…même si nous connaissons déjà la chanson !

    Cliquez ici pour retrouver mes critiques de "Cœurs" et "Vous n'avez encore rien vu" d'Alain Resnais.

    Pour en savoir plus sur le Festival International du Film Culte de Trouville, cliquez ici.

  • Dates du Festival du Cinéma Américain de Deauville 2017 à suivre en direct ici

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  • Festival du Film de Cabourg 2017: affiche et dates

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    Découvrez la très belle affiche du Festival du Film de Cabourg 2017 tirée, comme chaque année, d'un film de l'édition précédente, en l'espèce de "Tanna", mon coup de cœur de cette édition 2016 (qui a d'ailleurs reçu le prix du scénario au Festival Cinéma & Musique de Film de La Baule 2016), un film dans lequel la justesse des interprètes est sidérante. Les images sont d’une beauté à couper le souffle. La musique procure un souffle épique à l’ensemble. L’histoire, celle d’un amour impossible, est tragique et bouleversante. Hymne à la liberté, à la nature, ce film aux accents de Roméo et Juliette, plus qu’un coup de cœur est un coup au cœur.

    Un festival que j'affectionne tout particulièrement depuis ma participation à son jury des courts-métrages en 2002, deux nouvelles de mon recueil sur les festivals de cinéma "Les illusions parallèles" se déroulent d'ailleurs dans son cadre. 

    Retrouvez également mon compte rendu du Festival du Film de Cabourg 2016, ici.

    Rendez-vous du 14 au 18 juin pour suivre ici le  Festival du Film de Cabourg 2017.

  • Dans le magazine de Deauville, le 21ème, de décembre 2016

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    Après le très bel article que le magazine Normandie Passion avait consacré à mon recueil de nouvelles en septembre dernier (photo ci-dessous), me voici à nouveau à l'honneur en Normandie avec cet article du célèbre magazine deauvillais, Le 21ème (numéro de décembre 2016), -photo ci-dessus-. La photo est signée Dominique Saint, également auteur des quatrièmes de couverture de mes deux livres et de cette séance photos sur les planches (photos ci-dessous).

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  • Suivez aussi Inthemoodfordeauville.com sur instagram: @sandra_meziere

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    Alors que certains sont déjà passés depuis longtemps à Snapchat (qui, je l'avoue, ne m'intéresse absolument pas), je commence vraiment à me prendre au jeu d'Instagram. Si au départ je publiais avec parcimonie, c'est aujourd'hui devenu un réflexe quotidien et un vrai plaisir que d'essayer de sublimer les photos.

    Vous y trouverez surtout des photos de festivals de cinéma, de villes comme Laval, Deauville, Paris, La Baule etc, des restaurants, des hôtels, et parfois des informations comme des affiches de festivals ou de films. Evidemment vous pourrez m'y suivre en direct du 42ème Festival du Cinéma Américain de Deauville!

    Je vous invite donc à me suivre sur Instagram (@sandra_meziere ou http://instagram.com/sandra_meziere) où vous êtes pour l'instant beaucoup moins nombreux à me suivre que sur twitter...alors je vous y attends!

    Retrouvez quelques photos récentes extraites de mon compte Instagram ci-dessus.

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  • Compte rendu du Festival du Film romantique de Cabourg 2016

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    Cette année, le Festival de Cabourg célébrait trois anniversaires. Ses 30 ans. Les 15 ans de la sortie du Fabuleux destin d’Amélie Poulain de Jean-Pierre Jeunet et les 50 ans de la sortie d’ Un homme et une femme de Claude Lelouch. Et, bien sûr, l’amour puisque ce festival est consacré au cinéma romantique.

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    D’ailleurs, comment définir le romantisme ?  Poser ses yeux sur la célèbre promenade de Cabourg qui porte le nom d’un grand écrivain (qui lui-même a signé des œuvres qui, romantiques, le furent indéniablement) et dont la beauté mélancolique et changeante vous serre le cœur de bonheur et de tristesse mêlés est peut-être déjà une réponse… Le festival, chaque année, à travers les films qui y sont présentés, apporte aussi une réponse: l’amour est protéiforme et polysémique. Le film romantique parle d’amour, forcément, heureux ou malheureux, partagé ou contrarié, éternel ou éphémère, possible ou impossible. Vous pouvez y ajouter, selon le style du film, un zeste d’humour ou de mélancolie. Le film romantique peut être âpre ou doux, réaliste ou onirique. Et le vrai romantisme est pour moi tout sauf mièvre mais plutôt enfiévré et synonyme d’absolu. Comme une histoire d’amour, un film romantique réussi est un voyage qui nous transforme, réchauffe l’âme et le coeur…un peu comme ce Festival de Cabourg.

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    La très belle affiche de cette édition 2016, tirée du film Bébé tigre, réalisé par Cyprien Vial, présenté au festival en 2015, nous promettait une édition scintillante, artistique, et romantique… Elle le fut indéniablement !

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    Tout a commencé sous un soleil étincelant avec l’inauguration du Méridien de l’Amour par d’anciens présidents du jury du festival et par des membres du jury de cette année (Juliette Binoche, Emmanuelle Béart, Virginie Ledoyen …). Pour célébrer ce 30ème anniversaire, l’Association du Festival du Film de Cabourg, sur une idée de sa Déléguée générale Suzel Pietri et avec le soutien de la Ville de Cabourg, inaugurait ainsi un concept poétique unique au monde : 104 clous de fondation ancrés dans le sol de la Promenade Marcel Proust, et réalisés par la Monnaie de Paris, un tracé pérenne symbolisant l’absence de frontières et l’universalité de l’Amour. Un musée de l’amour en plein-air et sur le web. Le long de cette promenade, 5 colonnes représentent chacune un continent. Pour découvrir 104 façons de dire et écrire « Amour », 104 langues officielles des États du monde sont représentées, sous la forme de télégrammes, par le dessinateur Stéphane Heuet. Le Méridien de l’Amour, c’est aussi un site Internet référençant pour chaque langue de nombreuses œuvres cinématographiques et littéraires, collectées par l’auteure de guides Dominique Camus. Les 5 colonnes renverront, par flashcodes, à une médiathèque universelle de l’Amour (www.meridiendelamour.com).

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    Après cette marche revigorante pour accompagner l’inauguration, place ensuite au dîner au Grand Hôtel de Cabourg alors que, dehors, un sublime coucher de soleil saluait le début de ce festival…

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    Le Grand Jury 2016 était cette année présidé par Emmanuelle Béart qui ne s’est pas ménagée le lendemain lors de la vente des roses au profit de l’association « Children of the sun » dont elle est la marraine (en passant à chaque table pour convaincre les convives de contribuer à la vente), une association dont elle a parlé avec émotion et conviction avant que Carla Bruni suspende le vol du temps, surprenant l’assistance par le son envoûtant de sa voix… et avant que Joeystarr (membre du jury) ne nous fasse revenir à la réalité avec une tentative de chanson grivoise. Une très belle soirée sous le signe de la bonne humeur et en bonne compagnie (mes voisins et voisines des soirées successives se reconnaîtront) comme le furent d’ailleurs toutes celles de ce festival.

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    Dans le jury, Joeystarr était accompagné de Loubna Abidar (actrice), Samuel Benchetrit (réalisateur, acteur, écrivain), Joeystarr (acteur, chanteur), Éric Reinhardt (écrivain), Pierre Rochefort (acteur), Julia Roy (actrice) et Céline Sciamma (réalisatrice, scénariste).

    Le jury jeunesse était parrainé par Alice Isaaz (actrice) et Rod Paradot (acteur), qui une fois de plus, lors de la clôture nous a réjouis par son naturel et son enthousiasme, un jury et composé de lycéens.

    Le jury des courts métrages était présidé par Pierre Schoeller (réalisateur, scénariste). Il était accompagné de : Marianne Basler (actrice), Frédérique Bel (actrice), Michel Feller (producteur), Jean Baptiste Maunier (acteur, chanteur), Diane Rouxel (actrice), Karidja Touré (actrice).

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    Parmi les longs métrages en compétition (je n’ai malheureusement pas eu le temps de tous les voir tant mon programme était riche mais je vais essayer de rattraper le grand prix), je peux d’ores et déjà vous recommander La Danseuse de Stéphanie di Giusto, hymne poétique au vertige de l’art, magnifiquement interprété (vécu même semble-t-il à l’écran tant elle y est vibrante d’émotions) par Soko (le film était en sélection du 69ème Festival de Cannes – Section Un Certain Regard), le récit de la vie de Loïe Fuller, au début années 1900, une jeune femme qui se met en scène dans des numéros de danse inventifs et iconoclastes réalisés avec grande robe en voile et des jeux de lumières qu’elle a initiés. Le parallèle entre la passion de la danseuse pour son art et d’un homme pour elle (très juste Gaspard Ulliel), l’un et l’autre se consumant, presque jusqu’à la folie, pour l’objet de leur passion, est évidemment éminemment poétique mais aussi très cinématographique, d’une intensité qui traverse l’écran. La distribution exceptionnelle autour de Soko parachève ce tableau indubitablement romantique, et fascinant: Gaspard Ulliel, Mélanie Thierry, Lily-Rose Depp, François Damiens, Louis-Do de Lencquesaing, Denis Ménochet et Amanda Plummer. Je vous en reparlerai.

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    Le jury jeunesse a préféré couronner Departure d’Andrew Steggall, un premier film poignant qui raconte l’histoire de Béatrice et de son fils, un adolescent, qui passent une semaine à emballer le contenu d’une maison de vacances, dans un coin isolé du sud de la France. Le jeune Elliot est confronté à sa sexualité naissante et à l’éloignement grandissant de sa mère. Quant à Béatrice, elle réalise que tout amour a disparu de son mariage et que la vie telle qu’elle l’a connue touche à sa fin… Departure n’est pas parfait mais possède le charme fou, la maladresse touchante et la fougue de son interprète principal, Alex Lawther. La personnalité magnétique du jeune Clément(très juste Phénix Brossard), un français à la sensualité brute, que vont rencontrer Elliott et sa mère, va éveiller et exalter les désirs de l’un et réveiller les désirs enfouis de l’autre. Ce sont surtout des personnes étouffées par leurs désirs, à l’image du père d’Elliott, dont la confrontation va se révéler explosive. La poésie pour laquelle se passionne le jeune Elliott sert de catalyseur à la brusquerie incontrôlable du désir amoureux. Certaines scènes sont parfois téléphonées mais ce film porté par deux jeunes comédiens d’une remarquable justesse et intensité, une musique et une photographie sublimes, n’en dégage pas moins un charme communicatif, brusque et poétique, touchant et maladroit comme son personnage principal et son interprète qui crève l’écran. Alex Lawther : retenez bien son nom !

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    Mon vrai coup de cœur est un film australien, également en compétition, Tanna de Bentley Dean et Martin Butler qui nous emmène en plein Pacifique, sur une petite île recouverte d’une luxuriante jungle et dominée par un volcan en activité. La tribu des Yakel y rejoue une histoire vraie venue de leur passé, une histoire faite d’amour, de fidélité et de renoncement. La justesse des interprètes est sidérante. Les images sont d’une beauté à couper le souffle. La musique procure un souffle épique à l’ensemble. L’histoire, celle d’un amour impossible, est tragique et bouleversante. Hymne à la liberté, à la nature, ce film aux accents de Roméo et Juliette, plus qu’un coup de cœur est un coup au cœur.

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    Le film Taïwanais Zinnia Flower de Tom Shu-Yu Lin aurait également mérité une place au palmarès pour la sensibilité avec laquelle il rappelle qu’il « faut un temps pour tout » (comme un écho d’ailleurs au film de Safy Nebbou) et avec laquelle il montre la marginalité et la douleur indicible dans lesquelles enferme le deuil, en l’occurrence celui de Wei et Ming qui, le même jour, dans un accident, perdent, l’un sa femme enceinte, professeur de piano, et l’autre, son fiancé. Selon certains rituels bouddhistes, il faut 100 jours pour faire le deuil… Ce sont ces rituels qui rythment le film. L’idée judicieuse de ce film poétique, sensible et délicat est de mettre en parallèle les chagrins dévastateurs qui cadenassent les deux personnages dans la solitude, ces petits riens pour les autres qui peuvent crever le cœur ou faire tomber dans un abîme de tristesse en un clin d’oeil. Par petites notes, il évoque aussi ce qui aide à survivre quand la vie semble devenue absconse et vaine, suite à la perte d’un être cher, (comme des notes de piano évocatrices de la défunte qui font revivre son souvenir un instant) quand la vie pour les autres continue, implacablement. La fin joliment elliptique laisse espérer un avenir meilleur en éludant rien de la réalité du deuil avec lequel sans doute ils ne vivront pas 100 jours mais le reste de leur vie…

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    Parmi mes coups de cœur, figure également « Dans les forêts » de Sibérie, le sixième film de Safy Nebbou, qui concourait pour le prix du public.

    Critique – LES FORÊTS DE SIBERIE de Safy Nebbou

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    Dans les forêts de Sibérie, le sixième long-métrage de Safy Nebbou, est une adaptation libre du récit éponyme de l’aventurier Sylvain Tesson, paru en 2011 chez Gallimard (Prix Médicis Essai 2011).

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    Raphaël Personnaz incarne ici Teddy, un chef de projet multimédia (une profession synonyme de modernité, évidemment pas un hasard), qui, pour assouvir un besoin de liberté, décide de partir loin du bruit du monde, et s’installe seul dans une cabane, sur les rives gelées du lac Baïkal, en Sibérie.

    Qui n’a jamais rêvé de larguer les amarres, loin de l’agitation, du tintamarre et des obligations de nos vies ultra connectées et finalement le plus souvent déconnectées de l’essentiel, pour laisser du temps au temps, pour se retrouver face à lui-même ? Si c’est votre cas alors il se pourrait bien que ce film exacerbe vos envies d’ailleurs …

    Si Dans les forêts de Sibérie avait toute sa place au Festival du Film romantique, c’est ainsi d’une part, parce que l’idée de l’homme qui quitte tout pour se retrouver face à lui-même, cette ode à la liberté, à la nature, à l’aventure, est éminemment romantique mais aussi, d’autre part, parce que ce film possède un charme ensorcelant propice à envoûter le spectateur, dès les premières secondes, comme un coup de foudre. A le faire tomber amoureux de cette nature âpre et fascinante. Dès les premières minutes, les mots précis et implacables portés par la voix off et chaleureuse de Raphaël Personnaz nous bercent en effet comme une douce mélopée : « Je suis venu me rapprocher de ce que je ne connais pas. Le froid. Le silence. L’espace. Et la solitude. En ville les minutes, les heures, les années nous échappent. Ici le temps se calme. Je suis libre. Parce que mes jours le sont.[…] Ne désirer pas plus que ce que l’on éprouve. Et savoir se faire accepter par la nature. J’ai quitté le chaos des villes…».

    Le temps s’arrête et nous partons alors avec lui pour cette expérience hors du temps, hors de nos réalités, presque de notre époque où notre attention est constamment sollicitée, où le silence et l’espace deviennent des luxes suprêmes.

    Aux mots s’ajoutent ensuite les paysages d’une beauté à couper le souffle. Le soleil qui caresse la glace du lac gelé de ses rayons dorés et s’y reflète. Ce camion qui avance sur le lac craquelé de rainures telles des branches aux ramifications infinies ou telles des formes abstraites d’une beauté hypnotique. La caméra prend de la hauteur, comme une envolée lyrique, s’élève, nous élève, et nous emporte dans son tourbillon poétique, nous invitant à vivre cette expérience pendant une heure trente, avec intérêt, curiosité et émerveillement.

    La sobriété et la justesse du jeu de Raphaël Personnaz sied parfaitement au personnage dont on perçoit d’autant mieux les changements qui s’opèrent en lui au fil du temps et qui le transfigurent, celui-ci retrouvant peu à peu la pureté et la spontanéité des joies enfantines. Depuis que Tavernier l’a révélé au grand public avec La Princesse de Montpensier  (il avait d’ailleurs avant déjà tourné dans de nombreux films), Raphaël Personnaz ne cesse de prouver son talent par l’intelligence de ses choix et l’éclectisme de ses interprétations, avec toujours une indéniable présence magnétique : Tavernier à nouveau (Quai d’Orsay), Corsini (Trois mondes), mais encore dans les excellents Marius et Fanny de Daniel Auteuil (ma critique, ici), L’affaire SK1 de Frédéric Tellier… sans oublier le romantique After  de Géraldine Maillet (ma critique en cliquant ici).

    Le scénario (cosigné par David Oelhoffen –également auteur du scénario de L’Affaire SK1- et par Safy Nebbou) a pris des libertés avec le livre en ajoutant le personnage d’un fugitif russe (très bon choix que celui de Evgueni Sidikhine pour l’interpréter) qui se cache dans ces grands espaces, permettant d’ajouter une très belle histoire d’amitié à ce récit initiatique et permettant que cette histoire ne soit pas seulement l’éloge de la nature ou de l’homme face à lui-même, et qu’elle prenne ainsi une autre dimension. On songe bien sûr à Into the wild  de Sean Penn même si ici il s’agit ici pour Teddy davantage de retrouver son identité que de la perdre comme c’était le cas dans le film de Sean Penn. Safy Nebbou cite d’ailleurs plutôt en référence le long-métrage écologique d’Akira Kurosawa, Dersu Ouzala.

    Safy Nebbou, à chaque film, explore, un univers différent et prouve ainsi l’étendue de son talent même si on peut y retrouver des thématiques ou éléments récurrents comme l’importance des mots, ceux de Dumas et ceux de Gilles Taurand  dans L’Autre Dumas ou encore l’idée de double, d’altérité. La photographie de Gilles Porte nimbée de couleurs lumineuses malgré la glace et le froid environnants et les notes chaudes de la sublime musique d’Ibrahim Maalouf soulignent encore davantage la beauté de l’expérience et des paysages, exaltant le grisant sentiment de liberté. On image aussi aisément quelle expérience cela a dû être pour l’équipe du film que de tourner dans de telles immensités potentiellement hostiles mais surtout d’une troublante magnificence.

    On quitte la salle d’abord avec l’envie d’acheter immédiatement le livre de Sylvain Tesson avec, en tête, cette phrase du film, comme un leitmotiv  « Maitriser le temps, vivre intensément chaque instant ». Un véritable défi dans une société ultraconnectée qui nous procure souvent le rageant sentiment d’avoir perdu la capacité à vivre et saisir l’instant présent alors que, paradoxalement, nous ne l’avons jamais autant immortalisé.

    Vous l’aurez compris : je vous recommande ce voyage envoûtant « Dans les forêts de Sibérie », un film qui exhale et exalte la liberté et l’émerveillement, qui donne une féroce envie d’étreindre le présent, qui respire la bienveillance, un film porté par une musique et une photographie, sublimes et incandescentes, et l’interprétation lumineuse, criante de vérité et de naturel de Raphaël Personnaz. Plus qu’un voyage, une expérience. A ne pas manquer!

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    Comme vous le disais en préambule, ce Festival de Cabourg 2016 célébrait aussi les 50 ans d’ Un homme et une femme de Claude Lelouch et les 15 ans du Fabuleux destin d’Amélie Poulain de Jean-Pierre Jeunet. Lors de la sortie du second, en 2001, j’étais étudiante en droit, j’avais l’âge du personnage et je ne me souviens du (grand) nombre de fois où j’ai revu ce film dans un cinéma de Rennes, comme un rituel, une douce évasion. 15 ans après, j’ai éprouvé le même plaisir à le revoir, un peu de nostalgie sans doute aussi. Cette même année, le Festival du Film de Cabourg le récompensait avec un Swann d’Or du meilleur réalisateur décerné à Jean-Pierre Jeunet et un Swann d’Or du meilleur acteur remis à Mathieu Kassovitz. Le scénariste Guillaume Laurant -qui présidait le jury l’année où j’étais dans le jury des courts métrages du Festival de Cabourg, en 2002, et je n’avais alors pas osé lui dire à quel point ce film m’avait (em)portée- et Rufus étaient présents pour échanger avec le public à l’occasion d’une projection anniversaire du film précédé du court-métrage Foutaises de Jean-Pierre Jeunet. Une rencontre passionnante, l’un et l’autre évoquant avec enthousiasme et humilité ce film qui a changé le cours de leur carrière et sans doute marqué leur vie. Guillaume Laurant a ainsi raconté comment le film avait été refusé par 3 producteurs avec des arguments tels que « On ne croit pas aux personnages », « Une idée plus une idée ça ne fait pas une histoire », « C’est trop parisien ». Au regard des 33 millions d’entrées dans le monde engrangées par le film, sans doute ont-ils longtemps regretté… 15 ans après, la singularité poétique, les dialogues à la Prévert et le visuel éblouissant sont toujours aussi réjouissants. Quel plaisir de retrouver Amélie, Georgette, Madeleine Wallace, Nino, l’inconnu du Photomaton et les autres, et toutes ces phrases devenues cultes qui vous trottent en tête longtemps après la projection! Une bienveillance d’autant plus salutaire dans notre époque tourmentée et cynique.

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    Il y a 50 ans, sur une plage de la Côte normande, était né l’un des plus beaux films d’amour français joué par Anouk Aimée et Jean-Louis Trintignant, et accompagné d’une musique inoubliable signée Francis Lai : Un homme et une femme de Claude Lelouch. Le samedi 11 juin, Claude Lelouch est venu à Cabourg pour assister à la projection anniversaire. Le soir, des mains de Sandrine Bonnaire et Elsa Zylberstein il a reçu sa récompense pour ce film. « Les histoires d’amour restent le sujet essentiel, celui qui donne un sens à notre vie. C’est souvent une récompense, souvent une punition. Je peux encore faire 50 films là-dessus » a ainsi déclaré le cinéaste en recevant son prix.

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    Critique de UN HOMME ET UNE FEMME de Claude Lelouch (projection anniversaire)

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    Le 13 septembre 1965, Claude Lelouch est désespéré, son dernier film ayant été un échec. Il prend alors sa voiture, roule jusqu’à épuisement en allant vers Deauville où il s’arrête à 2 heures du matin en dormant dans sa voiture. Réveillé le matin par le soleil, il voit une femme depuis sa voiture, étonné de la voir marcher avec un enfant et un chien. Sa « curiosité est alors plus grande que la tristesse ». Il commence à imaginer ce que peut faire cette femme sur cette plage, avec son enfant, à cette heure matinale. Cela donnera « Un homme et une femme ».

    Synopsis : Anne (Anouk Aimée), scripte, inconsolable depuis la mort de son mari cascadeur Pierre (Pierre Barouh), rencontre à Deauville, en allant chercher sa fille à la pension, un coureur automobile, Jean (Jean-Louis Trintignant), dont la femme s’est suicidée par désespoir. Jean raccompagne Anne à Paris. Tous deux sont endeuillés, et tous deux ont un enfant. C’est l’histoire d’un homme et d’une femme qui s’aiment, se repoussent, se retrouvent et s’aiment encore…
    J’ai vu ce film un grand nombre de fois, et à chaque fois, avec le même plaisir, la même émotion, le même sentiment de modernité pour un film qui date de 1966, étonnant pour un cinéaste dont beaucoup de critiques raillent aujourd’hui le classicisme. Cette modernité est bien sûr liée à la méthode Claude Lelouch d’ailleurs en partie la conséquence de contraintes techniques et budgétaires. Ainsi, Lelouch n’ayant pas assez d’argent pour tourner en couleurs tournera les extérieurs en couleurs et les intérieurs en noir et blanc. Le montage et les alternances de noir et blanc et de couleurs jouent alors habilement avec les méandres du temps et de la mémoire émotive, entre le présent et le bonheur passé qui ressurgit sans cesse.

    Je ne sais pas si « le cinéma c’est mieux que la vie » mais en tout cas Claude Lelouch fait partie de ceux dont les films et surtout « Un homme et une femme » nous la font aimer. Rares sont les films qui donnent à ce point la sensation de voir une histoire d’amour naître et vibrer sous nos yeux, d’en ressentir -partager, presque- le moindre battement de cœur ou le moindre frémissement de ses protagonistes, comme si la caméra scrutait les visages et les âmes. Par une main qui frôle une épaule si subtilement filmée. Par le plan d’un regard qui s’évade et s’égare. Par un sourire qui s’esquisse. Par des mots hésitants ou murmurés. Par la musique éternelle de Francis Lai (enregistrée avant le film) qui nous chavire le cœur. Par une photographie aux accents picturaux qui sublime Deauville filmée avec une lumière nimbée de mélancolie, des paysages qui cristallisent les sentiments de Jean-Louis et d’Anne, fragile et paradoxalement impériale, magistralement (dirigée et) interprétée par Anouk Aimée. Rares sont les films qui procurent cette impression de spontanéité, de vérité presque. Les fameux « instants de vérité » de Lelouch.

    Et puis il y a le charme incomparable du couple Anouk Aimée/ Jean-Louis Trintignant, le charme de leurs voix, notamment quand Jean-Louis Trintignant prononce « Montmartre 1540 ». Le charme et la maladresse des premiers instants cruciaux d’une histoire d’amour quand le moindre geste, la moindre parole peuvent tout briser. Et puis ces plans fixes, de Jean-Louis dans sa Ford Mustang (véritable personnage du film), notamment lorsqu’il prépare ce qu’il dira à Anne après qu’il ait reçu son télégramme. Et puis ces plans qui encerclent les visages et en capturent la moindre émotion. Ce plan de cet homme avec son chien qui marche dans la brume et qui fait penser à Giacometti (pour Jean-Louis). Tant d’autres encore…

    Avec « Un homme et une femme » Claude Lelouch a signé une histoire intemporelle, universelle avec un ton très personnel et poétique. La plus simple du monde et la plus difficile à raconter. Celle de la rencontre d’un homme et une femme, de la rencontre de deux solitudes blessées. Il prouve que les plus belles histoires sont les plus simples et que la marque du talent est de les rendre singulières et extraordinaires.

    Alors pour reprendre l’interrogation de Jean-Louis dans le film citant Giacometti « Qu’est-ce que vous choisiriez : l’art ou la vie » Lelouch, n’a certainement pas choisi, ayant réussi a insufflé de l’art dans la vie de ses personnages et de la vie dans son art. Voilà c’est de l’art qui transpire la vie.
    Alors que Claude Lelouch a tourné sans avoir de distributeur, sans même savoir si son film sortirait un jour, il obtint la palme d’or à Cannes en 1966, l’oscar du meilleur film étranger et celui du meilleur scénario et 42 récompenses au total et aujourd’hui encore de nombreux touristes viennent à Deauville grâce à « Un homme et une femme », le film, mais aussi sa musique mondialement célèbre. Vingt ans après, Claude Lelouch tourna une suite « Un homme et une femme 20 ans déjà » réunissant à nouveau les deux protagonistes.

    A signaler également mon coup de cœur pour deux courts métrages d’animation : « D’ombres et d’ailes » d’Elice Meng et Eleonora Marinoni et « H recherche F » de Marina Moshkova, deux films d’une beauté, d’une poésie (décidément le maître mot de cette édition) et d’une inventivité époustouflantes.

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    Ce compte rendu est bien trop court pour évoquer ces cinq jours jalonnés de belles rencontres, amicales et professionnelles, de films romantiques, incandescents (tenant les promesses de l’affiche) et romantiques, pendant lesquels le soleil a -presque- constamment régné, au propre comme au figuré, lors desquels, une fois de plus, la réalité a dépassé la fiction notamment lors d’un dîner de clôture dont je me demande encore, tant il fut burlesque, si un scénariste malicieux n’en avait pas écrit le scénario. Allez savoir si certains de ces moments ne se retrouveront pas dans mon recueil de nouvelles (dont une se déroule à Cabourg !) qui sera publié à la rentrée aux Editions du 38…mais chut, je ne vous en dis pas plus pour le moment. Pour patienter, vous pouvez toujours trouver mon roman ( que j’espère romantique selon la définition que je vous en donne au début de ce compte rendu) L’amor dans l’âme dont une scène clef se déroule… au Festival du Film de Cabourg. Je repars de ce festival avec de beaux souvenirs et en tête la voix émue et émouvante d’Emmanuelle Béart chantant Barbara, et cette phrase que la déléguée générale du festival (que l’émotion communicative a tant de fois gagné lors de ce festival) a faite broder sur sa robe : « J’ai tellement aimé les stars et la lumière du cinéma que je n’ai plus peur de la nuit ».

    Merci à mes camarades d’avoir tant égayé ce festival, notamment Pascale B (sur le blog de laquelle vous pouvez retrouver mon interview, ici), aux photographes Isabelle Vautier, Mireille Ampilhac, Dominique Saint pour les photos officielles sur le tapis rouge, au photographe Dominique Saint pour la mémorable séance photos sur la plage, à la marque Dr. Hauschka pour la photo parmi un parterre de stars dans son album officiel, à Constance, Alexandre et Dominique pour l’accueil et longue vie au Festival de Cabourg…et au romantisme !

    Retrouvez mes autres photos du festival ci-dessous (à l’exception de celles sur lesquelles je suis évidemment signées des photographes cités ci-dessus) et des photos complémentaires sur mon compte Instagram @sandra_meziere.

     

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    SECTION LONGS MÉTRAGES
    GRAND PRIX Diamond Island de Davy Chou Dotations

    PRIX DE LA JEUNESSE Departure d’Andrew Steggall

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    PRIX DU PUBLIC ESSILOR A Man Called Ove de Hannes Holm
    SECTION COURTS MÉTRAGES

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    MEILLEUR COURT MÉTRAGE Hotaru de William Laboury

    MENTION SPÉCIALE DU JURY Gabber Lover d’Anna Cazenave-Cambet
    MEILLEURE ACTRICE Antonia Buresi pour Que Vive L’Empereur d’Aude Léa Rapin MEILLEUR ACTEUR Jonathan Couzinié pour Que Vive L’Empereur d’Aude Léa Rapin
    SWANN D’OR
    RÉVÉLATION FÉMININE Christa Théret dans La Fille du patron de Olivier Loustau
    RÉVÉLATION MASCULINE Kacey Mottet Klein dans Quand on a 17 ans de André Téchiné
    MEILLEURE ACTRICE Louise Bourgoin dans Je suis un soldat de Laurent Larivière

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    MEILLEUR ACTEUR Manu Payet dans Tout pour être heureux de Cyril Gelblat
    MEILLEUR FILM Les Ogres de Léa Fehner
    MEILLEUR RÉALISATEUR Bouli Lanners pour Les Premiers, Les Derniers
    HOMMAGE 50 ANS Un homme et Une femme de Claude Lelouch
    PRIX PREMIER RENDEZ-VOUS
    POUR UNE ACTRICE Noémie Schmidt pour L’étudiante et monsieur Henri d’Ivan Calbérac
    POUR UN ACTEUR EX AEQUO François Nambot et Geoffrey Couët pour Théo et Hugo dans le même bâteau d’Olivier Ducastel et Jacques Martineau