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HOMMAGES

  • Festival du Cinéma Américain de Deauville 2017 : hommage à Darren Aronofsky et avant-première de "Mother !"

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    Ce Festival du Cinéma Américain de Deauville 2017 s'annonce décidément bien. Le festival vient en effet d'annoncer qu'un hommage serait rendu au cinéaste Darren Aronofsky en sa présence et que serait projeté en avant-première son dernier film "Mother !". A cette occasion, retrouvez la bande-annonce du film ci-dessous, et en attendant ma critique de "Mother !", retrouvez celle de "Black swan" ci-dessous. 

     

    En 2008, Darren Aronofsky reçoit le Lion d'or du Festival de Venise pour The Wrestler, le consacrant comme l'un des cinéastes majeurs de sa génération.  Liant une esthétique très forte à une maîtrise visuelle au service de son propre langage cinématographique, Darren Aronofsky accède au statut de cinéaste culte dès son premier long métrage, Pi, présenté en compétition au Festival de Deauville en 1998. Son second long métrage, Requiem for a Dream, est ovationné au Festival de Cannes, tout comme au Festival de Deauville en 2000. Le film, véritable descente aux enfers d'une jeunesse euphorique et dépendante, marque toute une génération par sa puissance émotionnelle. Dès lors, Darren Aronofsky n'a eu de cesse de construire une œuvre à la fois convulsive, hallucinée et habitée : en 2011, il met en scène un ballet entêtant et horrifique dans Black Swan, avant de réaliser une fresque biblique d'une tragique ampleur avec Noé (2014).

    Critique de BLACK SWAN

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    "Black swan" est un vrai choc cinématographique, un tourbillon fiévreux dont vous ne ressortirez pas indemnes.

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    Nina (Natalie Portman) est ballerine au sein du très prestigieux New York City Ballet. Elle (dé)voue sa vie à la danse et partage son existence entre la danse et sa vie avec sa mère Erica (Barbara Hershey), une ancienne danseuse. Lorsque Thomas Leroy (Vincent Cassel), le directeur artistique de la troupe, décide de remplacer la danseuse étoile Beth Mcintyre (Winona Ryder) pour leur nouveau spectacle « Le Lac des cygnes », Nina se bat pour obtenir le rôle. Le choix de Thomas s’oriente vers Nina même si une autre danseuse, Lily, l’impressionne également beaucoup, Nina aussi sur qui elle exerce à la fois répulsion et fascination.  Pour « Le Lac des cygnes », il faut  une danseuse qui puisse jouer le Cygne blanc, symbole d’innocence et de grâce, et le Cygne noir, qui symbolise la ruse et la sensualité. Nina en plus de l’incarner EST le cygne blanc mais le cygne noir va peu à peu déteindre sur elle et révéler sa face la plus sombre.

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     « Black swan » n’est pas forcément un film d’emblée aimable (ce qui, pour moi, est une grande qualité quand les synopsis des films ressemblent trop souvent à des arguments marketing) : il se confond ainsi avec son sujet, exerçant tout d’abord sur le spectateur un mélange de répulsion et de fascination, entrelaçant le noir et le blanc, la lumière (de la scène ou de la beauté du spectacle, celle du jour étant quasiment absente) et l’obscurité, le vice et l’innocence mais le talent de cinéaste d’Aronofsky, rusé comme un cygne noir, et de son interprète principale, sont tels que vous êtes peu à peu happés, le souffle suspendu comme devant un pas de danse époustouflant.

    « Black swan » à l’image de l’histoire qu’il conte (le verbe conter n’est d’ailleurs pas ici innocent puisqu’il s’agit ici d’un conte, certes funèbre) est un film gigogne, double et même multiple. Jeu de miroirs entre le ballet que Thomas met en scène et le ballet cinématographique d’Aronofsky. Entre le rôle de Nina dans le lac des cygnes et son existence personnelle. Les personnages sont ainsi à la fois doubles et duals : Nina que sa quête de perfection aliène mais aussi sa mère qui la pousse et la jalouse tout à la fois ou encore Thomas pour qui, tel un Machiavel de l’art, la fin justifie les moyens.

     Aronofsky ne nous « conte » donc pas une seule histoire mais plusieurs histoires dont le but est une quête d’un idéal de beauté et de perfection. La quête de perfection obsessionnelle pour laquelle Nina se donne corps et âme et se consume jusqu’à l’apothéose qui, là encore, se confond avec le film qui s’achève sur un final déchirant de beauté violente et vertigineuse, saisissant d’émotion.

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    Par une sorte de mise en abyme, le combat (qui rappelle celui de « The Wrestler ») de Nina est aussi celui du cinéaste qui nous embarque dans cette danse obscure et majestueuse, dans son art (cinématographique) qui dévore et illumine (certes de sa noirceur) l’écran comme la danse et son rôle dévorent Nina. L’art, du cinéma ou du ballet, qui nécessite l'un et l'autre des sacrifices. Le fond et la forme s’enlacent alors pour donner cette fin enivrante d’une force poignante à l’image du combat que se livrent la maîtrise et l’abandon, l’innocence et le vice.

    Quel talent fallait-il pour se montrer à la hauteur de la musique de Tchaïkovski (qui décidément inspire ces derniers temps les plus belles scènes du cinéma après « Des hommes et des dieux ») pour nous faire oublier que nous sommes au cinéma, dans une sorte de confusion fascinante entre les deux spectacles, entre le ballet cinématographique et celui dans lequel joue Nina. Confusion encore, cette fois d’une ironie cruelle, entre l'actrice Winona Ryder et son rôle de danseuse qui a fait son temps.  Tout comme, aussi, Nina confond sa réalité et la réalité, l’art sur scène et sur l’écran se confondent et brouillent brillamment nos repères. Cinéma et danse perdent leur identité pour en former une nouvelle. Tout comme aussi la musique de Clint Mansell se mêle à celle de Tchaïkovski pour forger une nouvelle identité musicale.

    La caméra à l’épaule nous propulse dans ce voyage intérieur au plus près de Nina et nous emporte dans son tourbillon. L’art va révéler une nouvelle Nina, la faire grandir, mais surtout réveiller ses (res)sentiments et transformer la petite fille vêtue de rose et de blanc en un vrai cygne noir incarné par une Natalie Portman absolument incroyable, successivement touchante et effrayante, innocente et sensuelle, qui réalise là non seulement une véritable prouesse physique (surtout sachant qu’elle a réalisé 90% des scènes dansées !) mais surtout la prouesse d’incarner deux personnes (au moins...) en une seule et qui mérite indéniablement un Oscar.

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     Un film aux multiples reflets et d’une beauté folle, au propre comme au figuré, grâce à la virtuosité de la mise en scène et de l’interprétation et d’un jeu de miroirs et mise(s) en abyme. Une expérience sensorielle, une danse funèbre et lyrique, un conte obscur redoutablement grisant et fascinant, sensuel et oppressant dont la beauté hypnotique nous fait perdre (à nous aussi) un instant le contact avec la réalité pour atteindre la grâce et le vertige.

    Plus qu’un film, une expérience à voir et à vivre impérativement (et qui en cela m’a fait penser à un film certes a priori très différent mais similaire dans ses effets : « L’Enfer » d’Henri-Georges Clouzot) et à côté duquel le « Somewhere » de Sofia Coppola qui lui a ravi le lion d’or à Venise apparaît pourtant bien fade et consensuel...

  • Les hommages du Festival du Cinéma Américain de Deauville 2017 à Laura Dern, Michelle Rodriguez et Jeff Goldblum

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    Nous savions déjà que le 43ème Festival du Cinéma Américain de Deauville aurait lieu du 1er au 10 septembre, que ses jurys seraient présidés par Michel Hazanavicius et Emmanuelle Bercot.  Viennent d'être annoncés trois hommages qui illumineront la programmation du festival et notamment un hommage à une actrice que le festival avait révélé en 2000 et aujourd'hui mondialement connue, nous rappelant que si le festival de Deauville sait mettre à l'honneur les acteurs d'hier, il sait aussi révéler de nouveaux talents par le truchement de sa compétition depuis 1995. J'en profite également pour vous rappeler que je vous fais actuellement gagner vos pass pour le festival, ici, et prochainement des invitations pour la clôture.

    Le festival rendra hommage à LAURA DERN en sa présence.

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     Voici le communiqué de presse du festival :"Muse lynchéenne par excellence, Laura Dern éclaire par son charisme empreint de mystère les œuvres du cinéaste : Blue Velvet en 1986, Sailor et Lula – Palme d'or au Festival de Cannes en 1990, Inland Empire en 2006, et très récemment la série Twin Peaks.

    Avec plus de soixante films à son actif, Laura Dern a illuminé les œuvres de réalisateurs tels qu'Arthur Hiller, Steven Spielberg, Peter Bogdanovich ou Robert Altman. Sublime dans Un monde parfait de Clint Eastwood, elle a récemment joué dans The Master de Paul Thomas Anderson, ou encore dans la série Big Little Lies. Elle sera prochainement à l'affiche de Star Wars, épisode VIII : Les Derniers Jedi. "

    Le festival rendra hommage à Jeff Goldblum en sa présence.

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    Voici le communiqué de presse du festival à ce sujet : "Figure iconique des succès planétaires que furent La Mouche de David Cronenberg, Jurassic Park de Steven Spielberg, Independance Day de Roland Emmerich, ou Annie Hall de Woody Allen, Jeff Goldblum démarre sa carrière sous l'égide de réalisateurs tels que Robert Altman, Philip Kaufman, John Landis, ou encore Lawrence Kasdan, avec qui il fera deux de ses plus beaux films. Son élégance et sa photogénie accrochent le regard des metteurs en scène, qui ont su capter l'émotion de ses performances.

    Prochainement, il retrouvera le cinéaste Wes Anderson, en prêtant sa voix au film d'animation Isle of Dogs, et sera à l'affiche du nouveau volet de la saga Jurassic World.  "

    Le Festival rendra hommage à Michelle Rodriguez en sa  présence.

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    Voici le communiqué de presse du festival : "Révélée par le Festival de Deauville en 2000, Michelle Rodriguez crève l'écran dans son rôle de boxeuse dans Girlfight de Karyn Kusama. Sa performance, et la sincérité de son interprétation, contribuent grandement à l'attribution du Grand Prix, décerné cette année-là au film de Karyn Kusama.  Le film et son actrice incarnent toute une génération en quête d'émancipation, et en deviennent le symbole. Michelle Rodriguez n'aura de cesse de se tourner vers des rôles de femmes indépendantes et fortes, véritables héroïnes de cinéma : dans Fast and Furious de Rob Cohen, S.W.A.T de Clark Johnson, Resident Evil de Paul W.S. Anderson et Avatar de James Cameron.

    Prochainement, elle sera à l'affiche de Widows, le nouveau film du réalisateur oscarisé Steve McQueen. "

     

  • Un hommage à James Franco (en sa présence) au Festival du Cinéma Américain de Deauville 2016

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    Alors que les organisateurs du Festival du Cinéma Américain de Deauville  avaient déjà annoncé, pour cette édition 2016, un hommage  à Michael Moore, ils viennent également de confirmer un autre hommage qui sera décerné à l'acteur, réalisateur, scénariste, producteur, écrivain,  professeur James Franco.

    Le Festival du Cinéma Américain lui rendra hommage en sa présence. À cette occasion, le Festival présentera en avant-première son nouveau film en tant que réalisateur, In Dubious Battle, un film avec James Franco, Ed Harris, Selena Gomez, Bryan Cranston... une projection à laquelle je ne manquerai pas d'assister et dont vous pourrez bien entendu retrouver ma critique, ici.

    Voici sa biographie (source: site officiel du Festival du Cinéma Américain de Deauville):

    James Franco est acteur, réalisateur, scénariste, producteur, professeur et écrivain. Il débute sa carrière de comédien dans la série télévisée Freaks and Geeks avant de recevoir un Golden Globe pour son rôle dans le film Il était une fois James Dean consacré à la biographie de James Dean. Il joue dans Le Monde fantastique d'Oz et Spring Breakers, il incarne Harry Osborn dans la trilogie des Spider-Man, et son immense talent est particulièrement remarqué dans Harvey Milk, C'est la fin, Délire Express – pour lequel il est nommé au Golden Globe du Meilleur Acteur – et 127 Heures – pour lequel il est nommé en tant que Meilleur Acteur aux Oscars, à la Screen Actors Guild et aux Golden Globes. Il est également le réalisateur et le producteur de plusieurs films, dont Child of God, Tandis que j'agonise, Zeroville, Saturday Night et In Dubious Battle. Il participe pour la télévision à 11.22.63 et au très attendu The Deuce. Au théâtre, il recueille des critiques élogieuses pour ses débuts à Broadway dans Des souris et des hommes et il met en scène off-Broadway la pièce The Long Shrift. Il écrit régulièrement des articles et nouvelles pour différents magazines, il est l'auteur de plusieurs livres et romans, il enseigne à UCLA, USC et Cal Arts et donne des cours de comédie au Studio 4.

     

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  • L'hommage du 42ème Festival du Cinéma Américain de Deauville à Michael Moore

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    Nous savions pour le moment seulement que le 42ème Festival du Cinéma Américain de Deauville aurait lieu du 2 au 11 septembre 2016, que le jury serait présidé par Frédéric Mitterrand et que l'affiche est un magnifique hommage au film "Les Temps modernes" et à Chaplin. Je vous rappelle également que je vous fais gagner vos pass pour le festival, ici.

    Nous connaissons désormais aussi le nom d'une des personnalités à qui le festival rendra hommage: le cinéaste Michael Moore, en sa présence. À cette occasion, le Festival présentera en avant-première son nouveau film "Where to Invade Next", avant sa sortie en salles le 7 septembre.  

    Voici le pitch de son nouveau film: Dans son nouveau documentaire, Michael Moore décide de s'amuser à envahir le monde pour déterminer ce que les États-Unis peuvent apprendre des autres pays. 

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    Ainsi le communiqué officiel du Festival présente-t-il Michael Moore:

    Il promène sa caméra le long des chemins et, avec sa seule parole, tient tête aux hommes de pouvoir les plus féroces. Michael Moore est un héros américain, protégeant son pays de son pire ennemi : les États-Unis. D’un film à l’autre, il cherche à dissiper un rêve américain bâti sur des mirages : la toute-puissance patronale avec Roger et moi ou The Big One, le port d’arme dans Bowling for Columbine, la politique militaire postcoloniale de Georges W. Bush dans Farhenheit 9/11, l’avidité du système de santé dans SiCKO ou encore les dérives du modèle économique dans Capitalism: A Love Story. En bientôt trente ans d’activisme artistique, Michael Moore s’est imposé comme un maître en la matière, pétrissant le réel et la fiction pour en extraire toute la vérité. 

    FILMOGRAPHIE SÉLECTIVE | SELECTED FILMOGRAPHY «
     
    Réalisateur | Director
     
    2015      WHERE TO INVADE NEXT – doc
    2009      CAPITALISM: A LOVE STORY – doc
    2007      SLACKER UPRISING – doc
    2007      SICKO – doc
    2004      FAHRENHEIT 9/11 – doc
    2002      BOWLING FOR COLUMBINE – doc
    1997      THE BIG ONE – doc
    1995      CANADIAN BACON
    1992      PETS OR MEAT – RETURN TO FLINT – doc
    1989      ROGER ET MOI (Roger & Me) – doc

     
    Michael Moore est né à Flint, dans le Michigan. Alors qu’il est Eagle Scout et assiste aux séminaires de l’Église catholique, il devient à 18 ans le plus jeune élu du pays. Il fait son premier film en 1989, Roger & Me, et bat tous les records du box-office américain – ce film a notamment donné naissance au mouvement documentaire moderne. Michael Moore continue sur sa lancée avec Bowling for Columbine, récompensé aux Oscars, et Fahrenheit 9/11 qui reçoit la Palme d’or à Cannes, tous deux de grands succès en salles. On compte parmi ses réalisations les plus remarquables SiCKO, nominé aux Oscars, et Capitalism: A Love Story. Michael Moore a reçu un Emmy Award pour sa série TV Nation.
    Il est également l’un des auteurs non-fiction les plus lus des États-Unis, avec à son actif des livres comme Mike contre-attaque et Tous aux abris. Il vit aujourd’hui à Traverse City dans le Michigan, où il a fondé le Traverse Film Festival et deux salles de cinéma Art et essai.
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  • Ouverture du 41ème Festival du Cinéma Américain de Deauville: l'hommage à Keanu Reeves et l'avant-première d'EVEREST

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    Arrivée à Deauville quelques jours avant l'ouverture, j'ai vu la petite ville qui m'est si chère se transformer peu à peu. Les "Union flags" ont progressivement fleuri un peu partout (sur les planches, dans les rues, sur les bâtiments), les tapis rouges ont commencé à orner les entrées des hôtels, des restaurants et bien sûr du CID où, comme chaque année, se déroule cette 41ème édition du Festival du Cinéma Américain.

    La ville s'est alors transformée en un décor de film, (sous un ciel d'une beauté changeante et si cinématographique)n celui qui chaque année depuis 22 ans, me plonge dans une autre réalité, même une autre irréalité, même si cette irréalité nous donne à voir également les tourments du monde, notamment à travers les films en compétition dont les projections débutent ce matin.

    Chaque année, j'éprouve cette douce et troublante impression que le temps s'arrête ou s'est accéléré pour que je reprenne le fil(m) là où je l'avais laissé un an auparavant,  laissant cette frénésie étourdissante  m'emporter et me griser.

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    Le coup d'envoi du festival a été donné hier soir avec, tout d'abord, les discours du Maire de Deauville, M.Philippe Augier, et par l'ambassadeur des Etats-Unis, Jane Hartley (qui a notamment évoqué le Festival de Deauville comme " le plus remarquable festival de films" exclusivement américains), récemment nommée, l'un et l'autre visiblement émus, et nous transmettant cette émotion en particulier, lorsque, cette dernière, faisant référence au thème des héros mis à l'honneur dans cette édition du festival, a évoqué ceux du Thalys  à la remise de la légion d'honneur desquels elle venait d'assister.

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    Lionel Chouchan a ensuite rendu hommage à Keanu Reeves avant que, (comme le veut la tradition du festival, lorsqu'il est rendu hommage à un artiste) soient projetées des images de ses rôles les plus emblématiques: dans "My own private Idaho", "Dracula", "Matrix" et bien sûr dans le chef d'œuvre de Stephen Frears dont il est pour moi indissociable, l'acteur étant à jamais pour moi Danceny dans "Les Liaisons dangereuses" (1988).

    Rappelons que, aujourd'hui, à 17H Keanu Reeves sera également présent sur la scène du CID pour l'avant-première mondiale de "Knock Knock".

    Keanu Reeves a ensuite descendu l'imposant escalier du CID sur la musique de "Matrix". Dans un discours professionnel, teinté d'humour, il est revenu sur ses débuts, saluant avec émotion quelques personnes qui ont jalonné sa carrière.

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    Les deux jurys, le jury Révélation présidé par Zabou Breitman, et le jury "principal" présidé par Benoît Jacquot, ont ensuite été présentés.

    Retrouvez, en cliquant ici mon article avec la programmation détaillée commentée et la composition complète de ces deux jurys.

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    L'équipe du film d'ouverture, "Everest" de Baltasar Kormakur, est ensuite montée sur scène avant la première du film qui a plongé les festivaliers dans une autre atmosphère bien différente (en 3D s'il vous plait)...glaçante!

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    Comme s'en enorgueillit son affiche, le film a été écrit "d'après une histoire vraie", voilà qui récuse d'emblée toute accusation éventuelle d'invraisemblance.

    Le film de Baltasar Kormákur est en effet une adaptation du livre autobiographique "Tragédie à l'Everest"  écrit par l'écrivain, journaliste et alpiniste Jon Krakauer. Le livre raconte, comment, en 1996, huit alpinistes réputés ont péri dans une redoutable tempête  alors qu'ils effectuaient l'ascension de l'Everest.  Krakauer avait ainsi été envoyé par le magazine Outside pour participer à cette expédition.

    Inspiré d'une désastreuse tentative d'ascension de la plus haute montagne du monde, Everest suit deux expéditions distinctes confrontées aux plus violentes tempêtes de neige que l'homme ait connues. Luttant contre l'extrême sévérité des éléments, le courage des grimpeurs est mis à l'épreuve par des obstacles toujours plus difficiles à surmonter alors que leur rêve de toute une vie se transforme en un combat acharné pour leur salut.  

    Si l'effet est indéniablement réussi au point de nous faire éprouver le vertige et une véritable sensation de peur et la conscience de notre petitesse face à la force redoutable, irréfragable, destructrice des éléments, si le film est incontestablement spectaculaire, il souffre en revanche d'un scénario conventionnel et convenu  et/ou d'un montage qui sacrifie les personnages les plus intéressants et qui, surtout, en oublie certains en cours de route à commencer par Krakauer lui-même qui pose la question la plus intéressante aux alpinistes (pourquoi faites-vous cela?) à laquelle le film, ne voulant pas heurter la sensibilité des victimes et des survivants, ne répond jamais vraiment.

    C'est pourtant l'aspect le plus intéressant du film: pourquoi ces hommes et ces femmes ont-ils besoin d'affronter et même de défier la mort? Eprouver leurs limites? Se sentir vivants? Il passe aussi à côté d'une réflexion sur l'exploitation de la nature par l'homme (à ce propos, ne manquez pas "La glace et le ciel" de Luc Jacquet) que laissait d'ailleurs présager ce choix symptomatique de la 3D (tout comme les alpinistes veulent éprouver toujours plus de sensation, le spectateur devient un consommateur à qui il en faut toujours plus pour ressentir des émotions que les mots et les images devraient suffire à susciter).

     Un bon divertissement, idéal pour l'ouverture, qui passe néanmoins à côté de la passionnante réflexion à laquelle il aurait pu donner lieu, en raison d'une volonté délibérée d'absence de point de vue. Mais si vous voulez faire un voyage éprouvant et vertigineux sur le plus haut sommet du monde alors le voyage est fait pour vous...

    Le film sortira en salles en France le 23 septembre 2015

    Je vous laisse, en route, non pas pour l'Everest mais pour une journée bien chargée qui commence par le premier film en compétition de cette édition, "99 homes" et qui s'achèvera par l'avant-première très attendue de "Life".

    Suivez-moi tout au long de cette journée en direct du festival sur twitter (@moodforcinema, @moodfdeauville) et sur instagram (@sandra_meziere).

     

  • Critique de INGLOURIOUS BASTERDS de Quentin Tarantino (hommage à Lawrence Bender)

    Dans le cadre de l'hommage à Lawrence Bender, le producteur historique de Quentin Tarantino, rendu par le 41ème Festival du Cinéma Américain de Deauville, vous pourrez (re)voir "Inglourious Basterds" (le 10 septembre, à 11H au Morny club). Retrouvez ma critique ci-dessous.

     

    Bien sûr, j’ai été envoûtée par la poésie et la mélancolie sensuelles des « Etreintes brisées » de Pedro Almodovar , bien sûr j’ai été enthousiasmée par la précision remarquable de la réalisation de Jacques Audiard, tous deux en compétition la même année que Quentin Tarantino à Cannes mais le film de ce dernier fut le premier de ce Festival de Cannes 2009 et peut-être même le premier film depuis un moment à m’avoir ainsi hypnotisée, captivée, étonnée de la première à la dernière seconde. Le premier film depuis longtemps que j’avais envie de revoir à peine le générique achevé.

     

     

     

    Pitch : Dans la France occupée de 1940, Shosanna Dreyfus assiste à l’exécution de sa famille tombée entre les mains du colonel nazi Hans Landa ( Christoph Waltz). Shosanna (Mélanie Laurent) s’échappe de justesse et s’enfuit à Paris où elle se construit une nouvelle identité en devenant exploitante d’une salle de cinéma. Quelque part, ailleurs en Europe, le lieutenant Aldo Raine (Brad Pitt) forme un groupe de soldats juifs américains pour mener des actions punitives particulièrement  sanglantes contre les nazis. « Les bâtards », nom sous lequel leurs ennemis vont apprendre à les connaître, se joignent à l’actrice allemande et agent secret Bridget von Hammersmark (Diane Krüger) pour tenter d’éliminer les dignitaires du troisième Reich. Leurs destins vont se jouer à l’entrer du cinéma où Shosanna est décidée à mettre à exécution une vengeance très personnelle.

     

    De ce film, très attendu et seul film américain de cette compétition officielle 2009, je n’avais pas lu le pitch, tout juste vu la bande-annonce qui me faisait craindre une grandiloquence maladroite, un humour douteux, voire indécent sur un sujet délicat. Je redoutais, je pensais même détester ce film et ne m’attendais donc pas à ce que la première séquence (le film est divisé en 5 chapitres qui correspondent aux parcours de 5 personnages) me scotche littéralement à l’écran dès la première seconde, à ne plus pouvoir m’en détacher jusqu’à la dernière ligne du générique.

     

    L’un des premiers plans nous montre une hache dans un univers bucolique que la caméra de Tarantino caresse, effleure, esquisse et esquive : finalement ce simple plan pourrait résumer le ton de ce film, où la menace plane constamment, où le décalage est permanent, où toujours le spectateur est sur le qui-vive, la hache pouvant à chaque instant venir briser la sérénité. Cette première séquence dont nous ne savons jamais si nous devons en rire, ou en frissonner  de plaisir (parce qu’elle est jubilatoire à l’image de tout ce film, une première séquence au sujet de laquelle je ne vous en dirai pas plus pour maintenir le suspense et la tension incroyables qui y règne) ou de peur, est sans nul doute une des plus réussies qu’il m’ait été donné de voir au cinéma.

     

     Chaque séquence au premier rang desquelles la première donc recèle d’ailleurs cette même ironie tragique et ce suspense hitchcockien, le tout avec des plans d’une beauté, d’une inventivité sidérantes, des plans qui sont ceux d’un grand cinéaste mais aussi d’un vrai cinéphile (je vous laisse notamment découvrir ce plan magnifique qui est un hommage à « La Prisonnière du désert » de John Ford )  et d’un amoureux transi du cinéma. Rien que la multitude  de références cinématographiques mériterait une deuxième vision tant l’admiration et la surprise lors de la première empêchent de toutes les distinguer.

     

     Oui, parce que « Inglourious Basterds » est aussi un western. « Inglourious Basterds » appartient en réalité à plusieurs genres… et à aucun : western, film de guerre, tragédie antique, fable, farce, comédie, film spaghetti aussi. En fait un film de Quentin Tarantino .  (« Inglourious Basterds » est inspiré d’un film italien réalisé par Enzo G.Castellari). Un genre, un univers qui n’appartiennent qu’à lui seul et auxquels il parvient à nous faire adhérer, quels qu’en soient les excès, même celui de réécrire l’Histoire, même celui de se proclamer chef d’œuvre avec une audace et une effronterie  incroyables. Cela commence ainsi comme un conte  (« il était une fois »), se termine comme une farce.

     

    Avec quelle facilité il semble passer d’un ton à l’autre, nous faire passer d’une émotion à une autre, comme dans cette scène entre Mélanie Laurent et Daniel Brühl, dans la cabine de projection, une scène  qui, en quelques secondes, impose un souffle tragique poignant, époustouflant, d’un rouge éblouissant. Une scène digne d’une tragédie antique.

     

    Il y a du Hitchcock dans ce film mais aussi du Chaplin pour le côté burlesque et poétique et du Sergio Leone pour la magnificence des plans, et pour cet humour ravageur, voire du Melville aussi pour la réalisation, Meville à qui un autre cinéaste (Johnnie To) de cette compétition se référait d’ailleurs. Voilà, en un endroit tenu secret, Tarantino, après les avoir fait kidnapper et fait croire à leurs disparitions au monde entier, a réuni Chaplin,  Leone, et Hitchcock et même Melville et Ford, que l’on croyait morts depuis si longtemps et leur a fait réaliser ce film qui mêle avec brio poésie et sauvagerie, humour et tragédie.

     

    Et puis, il y a en effet le cinéma. Le cinéma auquel ce film est un hommage permanent, une déclaration d’amour passionnée, un hymne vibrant à tel point que c’est le cinéma qui, ici, va sauver le monde, réécrire la page la plus tragique de l’Histoire, mais Tarantino peut bien se permettre : on pardonne tout au talent lorsqu’il est aussi flagrant. Plus qu’un hommage au cinéma c’est même une leçon de cinéma, même dans les dialogues : « J’ai toujours préféré Linder à Chaplin. Si ce n’est que Linder n’a jamais fait un film aussi bon que « Le Kid ».  Le grand moment de la poursuite du « Kid ». Superbe . »  Le cinéma qui ravage, qui submerge, qui éblouit, qui enflamme (au propre comme au figuré, ici). Comment ne pas aimer un film dont l’art sort vainqueur, dans lequel l’art vainc la guerre, dans lequel le cinéma sauve le monde .

     

    Comment ne pas non plus évoquer les acteurs : Mélanie Laurent, Brad Pitt, Diane Krüger, Christoph Waltz, Daniel Brühl y sont magistraux, leur jeu trouble et troublant procure à toutes les scènes et à tous les dialogues (particulièrement réussis) un double sens, jouant en permanence avec le spectateur et son attente. Mélanie Laurent qui a ici le rôle principal excelle dans ce genre, de même que Daniel Brühl et Brad Pitt qui, depuis « L’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford », le chef d’œuvre d’Andrew Dominik ne cesse de prendre de l’épaisseur et nous surprendre.

     

    Que dire de la BO incroyable qui, comme toujours chez Tarantino, apporte un supplément de folie, d’âme, de poésie, de lyrisme et nous achève…

     

    Si Quentin Tarantino a déjà remporté la palme d’or en 1994 (et a notamment présidé le jury en 2004, remettant la palme d’or à Michael Moore pour « Fahrenheit 9/11 », il a également donné une leçon de cinéma l’an passé), il pourrait bien renouveler l’exploit. A défaut, il mériterait le prix de la mise en scène auquel pourraient également prétendre Jacques Audiard et Pedro Almodovar, deux films de ce point vue également parfaits… Il est en tout cas impossible qu’il ne figure pas au palmarès, même si les dissensions avec Isabelle Huppert qui avait effectué le casting pour « Inglourious Basterds » pourraient compliquer encore la tâche.

     

    Quentin Tarantino avec ce septième long-métrage a signé un film audacieux, brillant, insolent, tragique, comique, lyrique, exaltant, décalé, fascinant, irrésistible, cynique, ludique, jubilatoire, dantesque, magistral. Une leçon et une déclaration d’amour fou et d’un fou magnifique, au cinéma.  Ce n’est pas que du cinéma d’ailleurs : c’est un opéra baroque et rock. C’est une chevauchée fantastique. C’est un ouragan d’émotions. C’est une explosion visuelle et un ravissement permanent et qui font passer ces 2H40 pour une seconde !

     

     Bref, il se pourrait bien qu’il s’agisse d’un chef d’œuvre…

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