IN THE MOOD FOR DEAUVILLE - Le blog en direct du Festival du Cinéma Américain de Deauville

Déjà la vie normale est censée avoir repris son cours, pourtant mes pensées vagabondent encore vers Deauville, vers ces 10 jours de parenthèse festivalière que ce compte rendu me permet de revivre un tout petit peu afin de ne pas céder tout à fait à la nostalgie, pas tout à fait car elle est aussi rassurante dans cette course frénétique à l’information qui déjà a dévoré et ingurgité ce festival dans les souvenirs duquel je me replonge avec délice, délice nostalgique donc. Ce Festival du Cinéma Américain de Deauville n’a pas dérogé à la règle des 17 qui, pour moi, l’ont précédé, ressemblant à un véritable film riche en émotions aussi diverses et excessives que le meilleur (ou le pire, la frontière est parfois floue) des blockbusters nécessitant quelques jours pour en appréhender l’enrichissante complexité (là, plutôt à l’image d’un film indépendant que d’un blockbuster).

Quoiqu’il advienne, je perdrai toujours toute objectivité quand il s’agira d’évoquer ce festival (bonheur du blog que de n’être soumise à aucune censure ou à aucun rédacteur en chef et que de pouvoir revendiquer sa mauvaise foi), à jamais indissociable de tant de souvenirs et d’émotions cinématographiques, et heureux coupable de l’exacerbation de ma passion irrépressible pour le cinéma, qui le condamnent à la première place dans mon panthéon festivalier, la pluie et quelques déceptions cinématographiques fussent-elles au rendez-vous, comme cette année. J’avoue que j’ai un peu l’impression quand on critique ce festival que les critiques me sont destinées tant la douce mélancolie deauvillaise m’enchante, me porte, et me plonge dans une joie extatique totalement irrationnelle que j’aimerais à tout prix partager avec quiconque (tristes prosaïques) n’arrive à s’émerveiller devant les derniers feux de l’été, souvent les plus brillants et intenses, et rares, qui auréolent les Planches d’une luminosité incomparable, comme sortie d’un songe d’une nuit d’été, et devant ce festival qui concilie si bien les paradoxes et appréhende le cinéma américain dans sa globalité, voire ses contradictions, passant d’une comédie romantique réjouissante comme « Crazy, stupid, love » ou plus nuancée comme « Bringing up Bobby » de Famke Janssen à un film indépendant relevant du périlleux exercice de style comme « Jess+Moss » de Clay Jeter, de l’hommage à Shirley MacLaine à celui rendu à  Todd Solondz, de l’atmosphère feutrée des projections du matin en semaine à l’effervescence électrique des avant-premières du week end, des trophées du Nouvel Hollywood décernés cette année à Jessica Chastain et Ryan Gosling (malheureusement en leur absence) à l’émotion communicative de  l’hommage à Danny Glover ou Naomi Watts sans oublier l'instructive rencontre de Francis Ford Coppola avec les festivaliers (vidéos là et là).

Je ne suis pas (encore) allée aux Etats-Unis et pourtant j’ai l’impression d’en connaître les mille visages si contrastés tant ce festival et les films qui y sont projetés en reflètent la diversité, la richesse, les blessures malgré une étonnante homogénéité des thématiques dans la compétition. Plus que jamais, cette année, Deauville s’est positionné comme le festival du cinéma indépendant avec une compétition d’un remarquable niveau et, certes, avec moins de ces avant-premières évènementiels qui ont contribué à la notoriété du festival. Un cinéma indépendant et libre qui a donné raison à Francis Ford Coppola qui, lors de sa master class, (passionnante, le grand moment de cette édition) a déclaré : « Quand le cinéma est libre, il peut donner des fruits superbes » ; « Ce qui compte, c’est faire un cinéma indépendant et personnel. » ; « Aujourd’hui, c’est le film indépendant qui incarne le cinéma, certainement pas le cinéma commercial car il répète sans arrêt les films ; c’est le même film. » Olivier Assayas, président de ce jury 2011, a d’ailleurs souligné la « richesse » des films en compétition (9 premiers films sur 14) malgré « souvent des budgets minuscules », ce qui ne les empêche pas de conserver leur « liberté d’écriture et de ton ».

 « La meilleure chose du cinéma, c’est d’être tous ensemble et d’apprendre des choses » a déclaré Matthew Gordon, prix du jury 2011 pour « The dynamiter ».  En nous donnant à voir cet autre visage de l’Amérique, Deauville fait figure de sociologue.  Le visage qu’ont dessiné ces films en compétition était étonnamment uniforme : uniforme dans la noirceur, dans l’âge de ses protagonistes (des adolescents ou des enfants) souvent meurtris, livrés à eux-mêmes, victimes d’un manque de communication ou d’une société qui n’a jamais eu autant les moyens matériels de communiquer mais n’a jamais été aussi sourde et aveugle, délaissés par des parents fantomatiques, démissionnaires, désemparés, des mères absentes et des pères velléitaires. Une Amérique orpheline qui suffoque, paranoïaque (alors qu’on commémorait les 10 ans du 11 septembre), succombe à la folie et à des peurs irrationnelles, qui cherche un second souffle, une lueur d’espoir, sans oser l’aborder tout à fait (particulièrement significatifs étaient les dénouements des films en compétition presque tous ouverts, laissant à l’appréciation du spectateur cette lueur d’espoir, à peine perceptible), bien loin des films au dénouement desquels flotte insolemment la bannière étoilée comme le cinéma américain nous y a longtemps habitués.

Si les lieux et paysages (beau et instructif voyage à travers les Etats-Unis) et libertés diffèrent, c’est le même mal être que l’on retrouve dans chaque film en compétition, le même désarroi parental, le même sentiment de réalité suffocante à laquelle ces adolescents cherchent des échappatoires périlleux, illicites, le même besoin éperdu et rageur de liberté.  Je vous ai déjà parlé de 4 des 14 films en compétition et de leur traitement, ici : un cynisme tantôt amer, tantôt tendre (« Another happy day »),  une rigueur glaciale et non moins touchante (« On the ice »),  une mise en scène parfois un peu trop clipesque (« En secret ») ou  le souci de mettre en scène une réalité dans laquelle la violence est un engrenage implacable pour survivre (« Yelling to the sky »).  Ces adolescents en apparence si différents révèlent la même réalité étouffante, le même besoin d’ailleurs et d’appui familial, les mêmes personnages de mères broyées ou désemparées qui ont parfois renoncé. Tous présentent aussi le même défaut : un dénouement assez expéditif (un scénario qui s’essouffle vers la fin comme si ces cinéastes s’adonnaient à ce dont ne cessent de rêver leurs personnages pendant toute la durée de leurs films : la fuite.) Manière finalement peut-être plus consciente et habile qu’il n’y paraît de faire coïncider la forme et le fond. 

La fuite c’est aussi la solution d’Henry Barthes, le personnage principal de « Detachment » de Tony Kaye qui se retrouve à enseigner dans un lycée difficile de New York.  Henry Barthes est un professeur remplaçant, remplaçant afin de ne pas s’investir avec ses élèves tout comme il s’évertue à ne pas s’investir avec les femmes. Il se rêve en homme désincarné dans une salle vide ; lui qui incarnera pourtant le visage de l’espoir. Avec une poésie sombre, Tony Kaye, dans le fond comme dans la forme, rend hommage à l’art, ici salvateur, et à ces êtres qui ne se comprennent pas mais finalement si proches dans leurs fêlures, leur solitude, leur besoin d’écoute. Adrien Brody lui ne fuit pas son rôle mais est au contraire d’une présence époustouflante, assumant les contradictions de son personnage, bouleversant. « Detachment » a obtenu le prix de la critique et de la révélation Cartier. Et sa présentation par son réalisateur (en musique et guitare à l’appui) restera un des beaux moments de cette édition.

 Le père de famille incarné par Michael Shannon dans « Take Shelter » de Jeff Nichols (grand prix de cette édition, déjà primé à la dernière Semaine de la Critique), lui, ne trouvera pas vraiment de solution à ses peurs destructrices et irrationnelles, métaphoriques d’une Amérique en crise et paranoïaque d’après 11 septembre, avec la crise économique pour arrière-plan.  Terriblement efficace, la réalisation nous plonge dans ses terreurs et son désarroi avec précision et sobriété. Redoutant de devenir schizophrène comme sa mère au même âge, il est hanté par des cauchemars de plus en plus effrayants qui vont le conduire à construire un abri pour protéger sa femme (la douceur de Jessica Chastain s’oppose à ses visions apocalyptiques, une folie plus destructrice qu’un ouragan, une folie qui balaie tout sur son passage dont les images ne sont pas dénuées de force poétique) et sa fille.  Un film efficace (entre drame  social et thriller) mais un choix peut-être de facilité du jury.  Reste la fin intelligemment elliptique et mystérieuse et un vrai don du suspense du réalisateur.  Une judicieuse parabole d’une Amérique d’après 11 septembre qui n’est plus invulnérable, à l’image du père de famille, ébranlé par une tempête incontrôlable. Seul film de cette compétition dont le personnage principal est un adulte, au comportement et aux frayeurs certes enfantins.

Autre thriller psychologique et social avec « Without » de Mark Jackson qui là aussi mêle donc les genres et laisse au spectateur l’appréciation de ce qui relève de la réalité ou de la folie du personnage. Ainsi, sur une île boisée très isolée, Joslyn devient à 19 ans aide à domicile auprès d’un vieil homme en état végétatif, cloué sur son fauteuil roulant.  Isolée, se relevant d’une difficile épreuve personnelle, la solitude va peu à peu la faire basculer… Un peu comme dans « Take Shelter » avec peu d’éléments, Mark Jackson instille la peur, la suspicion, dans l’esprit de son personnage principal mais aussi dans celui du spectateur. Une peur souvent irrationnelle qui, là aussi, fait écho à celle de l’après 11 septembre.

Beaucoup plus lumineux, éclairé par la douceur et la chaleur incandescents du Mississipi « The dynamiter » dont le centre est le personnage du jeune Robbie (William Ruffin) qui porte le film et sa famille sur ses épaules. Un film à l’image de son réalisateur (qui a enchanté les festivaliers en conférence de presse, en parlant en Français) pudique, sobre, sensible, touchant, et lumineux.

Dans « Another Earth » de Mike Cahill (primé à Sundance), une jeune étudiante (fantastique Brit Marling également co-scénariste du film) est en quête de rédemption après avoir provoqué un accident de voiture mortel tandis qu’une planète miroir de la terre apporte l’espoir d’un ailleurs meilleur.  Mike Cahill réussit l’exploit d’un cinéma fantastique sans grands effets spéciaux (troisième film de la compétition dans lequel le surnaturel fait une subtile immersion). Cette poésie fantastique contrebalance la dureté du sujet. On retrouve le thème de la culpabilité déjà présent dans « On the ice » et « Without ».

« Jess + Moss » mettait aussi en scène des enfants là aussi confrontés à eux-mêmes, tout l’un pour l’autre, un film en forme de conte initiatique qui relevait plus de l’exercice de style néanmoins illuminé d’une touchante innocence. Eveil à l’amitié, aux premiers émois que l’on retrouvait également dans le maladroit « Terry ».

Dommage que le jury ait oublié « Another happy  day », ironique à l’image de son titre, une comédie acide et parfois tendrement cruelle (tendrement parce que Sam Levinson porte un regard finalement plein de compréhension sur ses personnages sans toutefois les épargner) dans laquelle un mariage devient le révélateur des rancœurs et des fêlures des différents membres d’une famille sans oublier le personnage attachant interprété par Ezra Miller qui crève l’écran. Un film qui fait preuve, à l’image de son personnage principal, d’une belle maturité pour un réalisateur de seulement 26 ans.

Dans « Trust », David Schwimmer ( sans doute une des personnalités les plus ovationnées de ce festival) suit une adolescente de 14 ans qui se laisse séduire par un homme rencontré sur internet, en réalité un pédophile. Très différent dans la forme de « Michael », en compétition au dernier Festival de Cannes, qui décrivait de façon presque clinique le quotidien d’un enfant séquestré par un pédophile, il montre néanmoins aussi ce dernier dans sa froide et terrifiante normalité apparente. C’est parce qu’il a « rencontré des victimes par le biais d’une association », que  ce sont ces rencontres et ces histoires qui l’ont choqué qui lui ont donné « envie de réaliser un film sur ce sujet »  que David Schwimmer a fait ce film qui, en effet, fait preuve d’une certaine finesse dans la psychologie  de l’adolescente (interprétée avec beaucoup de justesse par Liana Liberato) qui passe de la fascination, au déni, à la colère, au rejet. David Schwimmer stigmatise la publicité qui met en scène des enfants ou des adolescents dans des poses plus que suggestives ou dans sa sexualisation à outrance, mais aussi le caractère virtuel de la communication (notamment avec les parents incarnés par Clive Owen et Catherine Keener) dans une société qui la glorifie et n’en a jamais eu autant les moyens matériels qui isolent finalement plus qu’ils ne rassemblent. Dommage que la scène du générique de fin soit aussi lourde et fasse ressembler à un très mauvais gag ce qui est dramatiquement réaliste. David Schwimmer fait néanmoins passer son message avec beaucoup d’efficacité.

Parmi les bonnes surprises, « Restless » de Gus Van Sant, conte poétique sur la mort. Très différent dans la forme du film qui lui valut la palme d’or en 2003, « Elephant », il y regarde cependant à nouveau l’adolescence avec gravité, une adolescence à nouveau confrontée à la mort mais avec moins de violence et plus de poésie. Le sujet, particulièrement mélodramatique, pouvait pourtant susciter quelques réticences ; l’histoire d’amour entre un jeune homme de 20 ans, Enoch, interprété par Henry Hopper (le fils de Dennis) qui, depuis la mort de ses parents dans un accident, fuit (la fuite à nouveau donc mais sous une autre forme) son existence en assistant à des enterrements où il rencontre Annabel, jeune femme en phase terminale d’un cancer. Avec un sujet qui aurait pu se prêter à un film lourd et pesant, Gus Van Sant distille du surnaturel et de la poésie (Enoch est toujours accompagné de son ami imaginaire Hiroshi, fantôme et pilote japonais kamikaze) qui en font un hymne doux et poignant à la beauté fugace de l’existence (comme celle d’un corps tracé à la craie), qui fait rimer premier amour et dernier  jour avec beaucoup de fantaisie, de tendresse et de pudeur.

Autre bonne surprise, le film qui a reçu le prix Michel d’Ornano (dont je vous reparlerai ultérieurement), « 17 filles » de Muriel et Delphine Coulin inspiré d’une histoire vraie arrivée aux Etats-Unis : 17 filles américaines avaient décidé de tomber enceinte en même temps.  Très beau film sur l’utopie, l’inconscience, l’énergie mais aussi l’ennui de l’adolescence qui filme la province comme elle l’a rarement été, avec une tranquille mélancolie.

Egalement très attendu, « The Conspirator » de Robert Redford, film sur Mary Suratt, complice présumée de l’assassinat de Lincoln, accusée de complicité pour avoir hébergé l’auteur du crime, John Wilkes Booth. Un jeune avocat, Frederick Aiken,  accepte de défendre Mary Surratt. Il prend alors conscience que sa cliente serait innocente et qu’elle ne serait qu’un appât dans le but de capturer le seul conspirateur qui ait échappé à une redoutable chasse à l’homme : son propre fils. Si la réalisation est très académique (l’autochrome, le procédé photographique utilisé, en a décontenancé plus d’un mais nous replonge dans l’ambiance de l’époque), elle sert plutôt le propos, montrant l’intemporalité des tensions politiques et de ce que le film dénonce : la peine de mort, dans toute son impitoyable froideur et sa glaciale et glaçante absurdité. Le personnage de Frederick Aiken, intègre, épris de justice, envers et contre tous, rappelle les personnages incarnés par Robert Redford lui-même épris de loyauté. L’émotion est retenue pendant tout le film mais explose brillamment lors de la scène de la fin, donnant toute sa force à son message et ce qui précède.

Parmi les déceptions, « Drive », dont je vous ai parlé en détails ici,  malgré ses évidentes qualités de mise en scène, flamboyante et crépusculaire, et malgré sa bo remarquable alliée à des scènes plus calmes d’une beauté saisissante (face-à-face dans son appartement entre Irène et The Driver dans laquelle le temps est suspendu et dans laquelle les échanges évasifs de regards et les silences d’une douce sensualité en disent tellement). Nicolas Winding Refn a ravi le prix de la mise en scène à Pedro Almodovar à Cannes qui, à mon avis, l’aurait davantage mérité, ne serait-ce parce qu’il a brillamment raconté une histoire cruelle, terrible, effroyable où toute la finesse de la mise en scène réside justement dans ce qui n’est pas montré et qui n’en a que plus de force… Pour les amateurs de séries B avant tout auxquelles le film rend hommage.

Enfin la soirée du palmarès s’est terminée avec « The Artist », bouclant la boucle puisque la « Couleur des sentiments » rendait hommage au pouvoir salvateur de l’écriture, tandis que « The Artist » sublime les artistes dont il montre aussi les troublantes fêlures et la noble fragilité, leurs belles et poignantes contradictions. Un film qui concentre la beauté simple et magique, poignante et foudroyante du cinéma et rend hommage à son pouvoir d’une magie ineffable, omniprésente ici. (Cliquez ici pour lire ma critique du film « The Artist »).

 Finalement le pouvoir de l’art était à l’honneur dans « The Artist », « La Couleur des sentiments », « Detachment », belle mise en abyme qui fait écho à cette phrase de Shirley MacLaine lorsqu’elle a reçu son prix (pour son rôle d’actrice mais aussi d’écrivain) : « Les deux sont des réflexions sur qui on est. J’ai été tous ces personnages, on est tous plusieurs personnes à la fois. Un des bonheurs de ma vie est cette quête de mon identité que j’ai menée  à la fois dans l’écriture et l’art dramatique. »

Comme chaque année, je quitte Deauville avec un peu de nostalgie, de mélancolie, la certitude et le désir d’y revenir très vite et de belles images comme celle de la chanson interprétée par Tony Kaye  lors de la clôture en hommage à une ville de New York meurtrie mais toujours belle et débout et  qui montre tout ce qui fait la richesse d’un festival, et souvent de celui-ci, la magie ensorcelante de l’imprévu :

Histoire de vous replonger dans l’atmosphère du festival, la "BO" du CID:

Inthemoodfordeauville à nouveau à l’honneur cette année :

Cette année, vous pourrez me suivre en direct de nouveaux festivals (Lyon, comme intervenante dans deux débats ou encore Saint-Tropez et bien sûr toujours à Cannes et à Deauville en mars et septembre) mais désormais l’actualité deauvillaise se poursuivra toute l’année sur inthemoodfordeauville. Vous pourrez à nouveau bien sûr suivre le Festival du Cinéma Américain l'an prochain, avec plus de partenariats en perspective mais j'y reviendrai...

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Il y a une semaine déjà s’achevait le 34ème Festival du Cinéma Américain de Deauville. Il ne m’en fallait pas moins pour prendre du recul sur ce qu’est invariablement un festival de cinéma, celui-ci en particulier : une tornade émotionnelle dont le tourbillon fascinant, parfois dévastateur mais non moins majestueux, vous emporte et vous laisse bousculé, étourdi, heureux et épuisé, régénéré et mélancolique, un peu changé et riche de paradoxes comme ce festival sait si bien les exhaler et concilier. Cette 34ème édition n’a pas dérogé à la règle même si pour beaucoup ce fut un « petit festival ». Pour moi, au bout de quinze années (et cette année n’était certainement pas la dernière…) je le trouve toujours aussi riche et passionnant, et il me fait toujours vivre des moments, de vie et de cinéma, exaltants et ineffables, souvent même improbables.

Cette édition fut en effet probablement moins festive et son générique moins spectaculaire que celui de l’an passé mais contrairement à un certain nombre de festivaliers j’ai trouvé sa compétition particulièrement riche et variée, et une nouvelle fois Deauville, à travers sa programmation, a effectué une radiographie particulièrement instructive de l’Amérique contemporaine. Deauville était ainsi cette année avant tout la vitrine du cinéma indépendant (comme en témoignait d’ailleurs aussi son hommage à l’actrice Parker Posey) et peut-être un peu moins la vitrine des blockbusters à venir...quoique…

  Cela avait pourtant commencé en fanfare sur un air joliment suranné et naïf d’Abba, avec un film enchanté et enchanteur, mené par une Meryl Streep à l’enthousiasme communicatif (voir ma critique sur http://www.inthemoodfordeauville.com ). Une légèreté plutôt bannie de la compétition ancrée dans les problèmes de l’Amérique contemporaine, en particulier liés à  l’enfance et à l’adolescence, symboles d’une Amérique qui n’arrive plus à grandir, à trouver une lueur d’espoir alors que ses enfants se font tuer en Irak, une Amérique engluée dans un présent inextricable, terrassant rêves et utopies.

 L’Irak, c’était d’ailleurs le sujet hors champ de mon grand favori de cette compétition 2008, oublié de la compétition « American son » ou l’histoire d’un Marine de 19 ans qui tombe amoureux juste avant d’être envoyé en Irak. La guerre est hors champ et pourtant omniprésente et rend d’autant plus poignante cette histoire d’amour a priori banale mais sur laquelle pèse une épée de Damoclès. A travers le portrait de ce jeune homme comme tant d’autres, le réalisateur Neil Abramson personnifie et humanise ces soldats envoyés en Irak et sans jamais vraiment aborder le sujet de front crée une des dénonciations les plus efficaces de la guerre, de cette guerre qui broie des innocents, implique ces fils américains dans un combat qui les dépasse, un combat parfois aussi pour échapper à la banalité de leur existence ou même la délinquance. Certains ont trouvé l’histoire d’amour banale, naïve mais c’est justement cette banalité et cette naïveté qui exacerbent la profondeur et la dureté de ce qui suit, de cet inéluctable départ à la guerre, la réalité et le poids de son choix. Nous suivons ce jeune Marine et avec lui éprouvons l’impitoyable compte à rebours avant la fin de l’innocence de ce fils américain comme tant d’autres qui, en 96 heures, va devenir adulte. Finalement beaucoup plus efficace que « Dans la vallée d’Elah » projeté l’an passé, pourtant si démonstratif.

 Mon deuxième coup de cœur de la compétition dont je vous ai déjà parlé c’est « Gardens of the night » un film pudique, sensible, magistralement traité sans complaisance ni voyeurisme  (prix de la critique internationale qui récompense un film pour ses qualités artistiques) sur un sujet particulièrement délicat dont le traitement aurait pu s’avérer scabreux. Un film dont la réalisation témoigne d’un grand savoir-faire et a fait vibrer une poignante note d’espoir chez les festivaliers… Un film qui a fait l’unanimité. (voir ma critique sur http://www.inthemoodfordeauville.com )

  Le prix de la révélation Cartier et le prix du jury ont été dévolus à mon troisième favori : « Ballast » de Lance Hammer, portrait particulièrement sensible de trois êtres (dont un adolescent, encore) que la mort du frère jumeau de l’un d’entre eux (et père de l’adolescent) va bouleverser. La lenteur lancinante et prenante, la morosité presque fascinante des paysages : tout contribue à nous faire éprouver leur lente réconciliation avec eux-mêmes et l’existence avec une judicieuse économie de mise en scène et d’emphase. (les acteurs sont par ailleurs des non professionnels). Un film d’une efficacité et d’un réalisme bluffant.

 Tous les autres films ou presque de cette compétition évoquaient d’ailleurs une enfance ou une adolescence meurtrie, désarçonnée, égarée, douloureuse, des personnages fragiles, un pénible passage à l’âge adulte :

- une régression infantile dans le mésestimé « Momma’s man » de Azazel Jacob  (ou comment au lieu de rentrer chez lui auprès de sa femme et de son nouveau-né un trentenaire trouve une excuse fallacieuse pour rester chez ses parents)

- les adolescents surdoués et non moins en crise du très conventionnel et télévisuel « Smart people » avec lesquels leur père taciturne depuis la mort de leur mère n’arrive plus à communiquer

- le contexte douloureux et âpre d’un premier amour dans « Snow Angels »

- l’éveil à la sexualité, le rapport au corps, le racisme dans « Towelhead » d’Alan Ball (scénariste de « American Beauty » et créateur de la série « Six feet under »), un film faussement subversif, réellement malsain sous prétexte d’éviter tout manichéisme (auquel il n’échappe pourtant pas dans le personnage de la jeune fille) et toute morale bien pensante : cela aurait pu être intéressant traité avec un peu plus de délicatesse

- la quête insoluble du père dans « All god’s children can dance »

- la fascination fatale pour la violence des adolescents dans un prestigieux pensionnat de la Côte Est dans « Afterschool ».

- les péripéties de deux  sœurs (dans « Sunshine cleaning ») qui décident de créer une société de nettoyage de scènes de crime et cicatrisent ainsi leur blessure d’enfance : le suicide de leur mère. Par l’heureux producteur de « Little miss sunshine » dont sunshine et le ton décalé sont les deux seuls points communs avec ce film-ci, le premier n’arrivant scénaristiquement pas à la hauteur du second.

Et enfin « The visitor » de Tom McCarthy qui échappe semble-t-il à cette classification, le Grand Prix de cette édition 2008, le seul film de cette compétition que j’ai manqué (mais vous pourrez retrouver ma critique dès sa sortie en salles, le 29 octobre 2008, sur www.inthemoodforcinema.com ) et qui raconte  comment un vieux professeur solitaire retrouve goût à la vie quand il découvre chez lui des squatteurs, un Syrien et une Sénégalaise victimes d’un escroc.

 Carole Bouquet, la présidente du jury de cette 34ème édition, plutôt avare d’explications sur les raisons des choix du jury, lors de la remise des prix, a simplement déclaré « Nous aurions voulu mettre d’autres films et metteurs en scène à l’honneur mais c’est le jeu ». Zoe Cassavetes, présidente du jury Cartier, quant à elle a déclaré : « la sélection nous a montrés des films très différents avec malgré tout une similarité, celle de la provocation et l’honnêteté » ajoutant « Nous avons une élection en novembre qui va nous permettre de redistribuer les cartes du rêve, de la culture et de la paix ». Zoe Cassavetes n’est pas la seule à placer tous ses espoirs en Obama puisque le réalisateur de « Ballast », en recevant son prix, a également déclaré « Notre pays est dans un état lamentable et ça me gêne beaucoup, c’est pourquoi je crois au pouvoir de l’art qui peut vraiment changer les choses. Pour cela nous avons un véritable espoir à saisir et il s’appelle Barack Obama. »

 Le rêve, l’onirisme étaient donc définitivement évincés de cette compétition 2008 même si dans certains émergeaient une (très faible) lueur d’espoir. Comme si le cinéma enserré dans une réalité sombre ne pouvait et ne devait y échapper mais au contraire la mettre en lumière : une lumière bien crue et blafarde le plus souvent.

 En allait-il autrement des Premières ? Il est vrai que cette année, pour mon plus grand plaisir, tous les genres ou presque étaient représentés : du western avec le second film en tant que réalisateur d’ Ed Harris «  Appaloosa » à la comédie romantique avec le très efficace « Coup de foudre à Rhode Island » de Peter Hedges, à la comédie d’action avec « Max la menace » de Peter Segal en passant par le thriller suffocant avec « Harcelés » de Neil La Bute, la comédie grinçante à suspense avec le très réussi « Married life », le film de guerre engagé avec « Miracle à Santa Anna » de Spike Lee, le film inclassable avec « Meurtres à l’Empire State Building » de William Karel, le film politique sous forme de « fiction documentaire » avec « Recount », le mélo improbable avec « The Yellow handkerchief » de Udayan Passad…

 Parmi ces 10 jours si intenses et forcément trop courts, je retiendrai :

-la passion communicative et l’engagement infaillible de Spike Lee lors de son hommage mais aussi à travers son dernier film projeté en Première : le magnifique et lyrique « Miracle à Santa Anna » (voir ma critique sur http://www.inthemoodfordeauville.com )

-l’émotion d’Ed Harris lors de son hommage ("Quand j'exprime ce qu'il y a au fond de mon coeur, je m'émeus moi-même, désolé! Je ne me sens jamais autant en vie que lorsque je joue. Je suis un homme extrêmement chanceux. Au mois de novembre, je fêterai mes vingt-cinq ans de mariage avec mon épouse, l'actrice Amy Madigan. Son amour, son soutien, son encouragement et sa passion pour la vérité m'apportent une stabilité constante, la joie et m'inspirent tous les jours.") et le plaisir de retrouver un western classique qui respecte magistralement les codes du genre avec en prime une ode à l’amitié, beaucoup d’humour et évidemment des Indiens, des paysages majestueux…, et cette envie de « laisser le temps au temps » à l’image de l’époque à laquelle se déroule le film. Dommage juste que le « méchant » incarné par Jeremy Irons ait un rôle si plat, voire inexistant. « Appaloosa » du nom d’un petit village du Mexique, à la fin du 19ème. Sortie en salles le premier octobre : je vous en reparlerai à cette occasion sur www.inthemoodforcinema.com . Me voilà presque prête à rejoindre « l’IAFT » l’Immense Amicale de vos Fans Tricolores, pour reprendre l’expression du président fondateur du festival Lionel Chouchan !

- la magie intemporelle du cinéma avec mon coup de cœur de ce festival 2009 : « Meurtres à l’Empire State Building » de William Karel, une œuvre inclassable d’une inventivité visuelle et scénaristique incroyable, un hommage drôle, palpitant et émouvant au film noir américain et à toutes ses figures mythiques

-la modestie, l’enthousiasme de Juliette Binoche lors de la conférence de presse de « Coup de foudre à Rhode Island » , une comédie romantique dans laquelle elle irradie et excelle (de même que Steve Carell), un genre dans lequel on aimerait les voir l’un et l’autre plus souvent (un film actuellement à l’affiche que je recommande à tous les amateurs du genre qui, s’il ne le renouvelle pas, en respecte les règles avec beaucoup de talent et utilise avec ingéniosité ceux, multiples, de ses interprètes principaux)

-Steve Carell, encore, aussi efficace dans la comédie romantique « Coup de foudre à Rhode Island » que dans la comédie d’action : le très réussi « Max la menace » (une comédie d’action aux scènes d’action aussi impressionnantes, enfin presque, que dans un James Bond, et au scénario qui tient la route et se suit avec jubilation)

-la palpitante épopée électorale de « Recount » (que je n’espère pas prémonitoire pour cette élection 2008…)

-la très réussie première œuvre d’Helen Hunt en tant que réalisatrice « Une histoire de famille » qui fait beaucoup penser à Woody Allen, mêlant humour, émotion, profondeur avec beaucoup d’habileté, brassant de nombreux thèmes avec le même intérêt, dressant des portraits de personnages exubérants, attachants, fragile, humaines et débutant par une citation juive que je vous laisse découvrir qui prend toute sa signification à la fin. Un premier film étonnamment maîtrisé, drôle et poignant.

-le galimatias d’André Halimi lors de la remise du prix littéraire à François Forestier (si quelqu’un a la traduction, je suis preneuse…)

-la disponibilité de Viggo Mortensen et son indissociable drapeau de l’équipe de San Lorenzo

-le percutant, courageux et nécessaire « Johnny Mad Dog », prix Michel d’Ornano 2008 pour son réalisateur Jean-Stéphane Sauvaire, sur les enfants soldats et son utilisation intelligente du hors champ

-Des regards aussi : ceux, bleutés et perçants, de Ed Harris et Viggo Mortensen,  ou celui, terrifiant, de Samuel L.Jackson lors d’une conférence de presse où il a particulièrement économisé son sourire si bien que le soir même le voir dans « Lakeview terrace » où il interprète un policier raciste était d’autant plus crédible et terrifiant !

-la causticité et le cynisme réjouissant de « Married life »

-la polémique suscitée par « The girl next door » de Gregory Wilson (que je n’ai pas vu), un film qui a tellement heurté les festivaliers que son réalisateur a dû être accompagné de 4 gardes du corps pendant toute la fin de sa présence à Deauville

-les étourderies attendrissantes et la gentillesse de la présentatrice Gennie Godula (qui aura consolé les admirateurs de Sir Didier Allouche)

-la richesse, la noirceur, la diversité des films en compétition

-l’intransigeance de certains spectateurs et « journalistes » qui peut-être devraient retourner à Appaloosa au 19ème et, comme le préconise Ed Harris donner eux aussi le temps au temps , le temps aussi d’admettre que leur avis n’est que l’expression d’une subjectivité faillible (comme le mien sur ce blog) et non l’expression d’une vérité objective infaillible qui ne tolère aucune tentative d’objection

-le regret de n’avoir pas eu le temps de profiter des Nuits Américaines ( des projections de classiques du cinéma américain 24H sur 24H)

- de belles rencontres professionnelles et de drôles de hasards et coïncidences à la Lelouch (d’ailleurs absent cette année ?)

-les musiques d’Abba qui n’ont cessé de résonner dans le CID lors de l’ouverture, entre les séances toute la semaine… et même dans « Max la menace » et qui résonnent encore dans ma pauvre tête endolorie de festivalière traumatisée 

-l’absence regrettée de Canal plus (presque) compensée par le fameux et incontournable lounge Orange

-les couleurs changeantes des Planches et des festivaliers à fleur de peau, finalement pareillement chatoyantes

- la gentillesse des équipes de France 3

-les facéties d’Edouard Baer à chacune de ses apparitions

-les charismatiques et francophiles présences de William Hurt et John Malkovich

…

 Et tant d’émotions viscérales, de souvenirs contrastés, d’images bigarrées, d’instants magiques, de rencontres ou retrouvailles passionnantes et/ou impromptues que ces quelques lignes ne sauraient retranscrire et que j’aurai tout juste assez d’une année pour digérer d’ici la 35ème édition du Festival du Cinéma Américain de Deauville que vous pourrez évidemment suivre sur « In the mood for Deauville » après avoir suivi le Festival de Cannes sur http://inthemoodforcannes.hautetfort.com , et, dès maintenant, de nombreux autres événements cinématographiques sur www.inthemoodforcinema.com . En attendant, n’hésitez pas à livrer vos commentaires sur cette édition 2008 du Festival du Cinéma Américain de Deauville…et n’oubliez surtout pas de plonger « in the mood for cinema » !

Sur http://www.inthemoodfordeauville.com retrouvez de nombreuses photos et vidéos inédites et mes critiques de film de ce 34ème Festival du Cinéma Américain.

 PALMARES COMPLET DE CE 34ème FESTIVAL DU CINEMA AMERICAIN DE DEAUVILLE 

 Grand prix

 « The Visitor » de Thomas McCarthy

 Prix du jury

 « Ballast » de Lance Hammer 

 Prix de la Révélation Cartier

 « Ballast » de Lance Hammer 

 Prix de la critique internationale

 « Gardens of the night » de Damian Harris

 Prix Michel d'Ornano

 Jean-Stephane Sauvaire (“Johnny Mad Dog”)

 De ces 10 jours, il me reste :

De la nostalgie, déjà, évidemment. L’ironie, saisissante, effroyable et fascinante,  parfois cruelle, parfois belle,  du destin, ses méandres insondables.  Des scènes d’anthologie, dans la vie, au cinéma, je ne sais plus trop. Une confusion inéluctable après 10 journées intemporelles dans la salle bleutée du CID.

Des images sublimes : celles d’un western qui a renouvelé le genre et va le remettre au goût du jour, c’est certain, je l'espère, celles d’un chef d’œuvre, celles d’un Jesse James et d’un Robert Ford qui ont dominé cette sélection 2007. (Je ne le dirai jamais assez, le film sort le 10 octobre, galopez le voir…-voir article ici-).  Un cavalier solitaire dans la lumière crépusculaire. Celles de promenades revigorantes sur les Planches tant de fois foulées jusqu’à épuisement, l’impression d’y danser, peut-être finalement…. Festivaliers solitaires dans la lueur crépusculaire. Un film brillamment métaphorique, aussi.   

Celles de reflets argentés : de la mer, dans les yeux rieurs ou émerveillés ou troublés des spectateurs, dans les miens, souvent, en tout cas. Celles d’étoiles par milliers dans le ciel imperturbable presque pendant 10 jours, celles d’étoiles par dizaines sur la scène du CID et sur le tapis rouge : Michael Douglas (« ambassadeur du Deauville romantique », tellement), George Clooney (et ses excès d’enthousiasme dissimulant à peine la mélancolie  qui affleure), Gena Rowlands (admirée, ovationnée), Catherine Deneuve (et son passage si fugace au bras d’André Téchiné), Matt Damon (et sa vengeance dans la peau, jubilatoire et trépidante), Brad Pitt (et son regard traqué), Casey Affleck (une autre étoile est née), Brian de Palma (présent une semaine, comme chaque année), Sidney Lumet, Kristin Scott Thomas et tant d’autres... Un générique de rêve.   Une effervescence rare. Deauville s’est donné des airs de Cannes.  L’exubérance futile en moins. Comment faire mieux l’année prochaine ? Juste penser à l’instant présent, déjà passé, encore si présent, vibrant dans ma mémoire.

 L’amour  immortel : du cinéma et de Deauville et de ses moments magiques.  Des nuits américaines, du cinéma 24H/24H. Des spectateurs même 4H du matin. Un rêve, non une réalité, de cinéphile.  Des nuits blanches étoilées. Espérons que l’expérience sera renouvelée.

Tant  d’images qui se fondent et se confondent dans ma mémoire :  une soirée à la villa Cartier, la voix si assurée et les jambes tremblantes de Dani,  qui surgit là, improbable,  presque subrepticement, à son piano blanc, au milieu d’une soirée qui l’ignore un peu trop, au milieu des verres qui clinquent et des festivaliers qui trinquent, des pas de danses qui la dédaignent, des bruits de voix insultantes,  des regards opaques à son malaise , Dani et son « brin de poésie » (cliquez sur le lien suivant pour voir les images: http://www.dailymotion.com/video/x31ant_le-brin-de-poesie...   ) qui m’emporte dans mes souvenirs avec sa voix imperturbablement suave, presque rauque, et ensorcelante.  Une soirée qui m’en a rappelé tant d’autres dans cet endroit, une soirée qui ne ressemblait pourtant à aucune autre. Une soirée qui ne voulait pas finir, que personne n’avait envie de quitter, parce que c’était déjà un peu revenir à la réalité.  Des scènes inénarrables : la réalité a finalement  toujours plus d’imagination que la fiction. D’autres impressions encore. Celle de n’avoir pas réellement vécu mais rêvé ces dix jours.

 D’autres images encore. Sur l’écran celles-là.  Celles d’un monde en proie à la violence qui guette fiévreusement la lueur d’espoir. Celles d’un monde en guerre. Celles d’un monde qui croit qu’un écran sombre peut l’éclairer. Celles d’un monde –du cinéma- utopique. Un monde que j’aime, parfois un peu trop (mais peut-on aimer trop, aimer trop le cinéma ?), à en oublier l’autre, le vrai,  à le sublimer aussi.  Deauville a couronné « la belle vie » du prix littéraire 2007, un roman sur l’après 11 septembre, entre angoisse et euphorie. Ne sont-elles finalement pas indissociables, deux faces d’un même masque ? Celles de « La vie d’artiste », d’Andy Warhol, une autre vie d’artiste, d’une vie qui dévore l’existence, souvent magnifique, ainsi magnifiée, celles encore d’artistes ou pseudo qui  croient nécessaire de dévorer pour créer  ou celles de ceux qui estiment légitime de les dévorer parce qu’ils créent : des rêves, du cinéma, peu importe.

Des fauves effrayés, traqués.

 L’impression si majestueusement trompeuse que cela durerait toujours, que la vie ressemblerait toujours à un festival de cinéma, à celui-là. Si seulement…  "Never forever" : j’aurais dû m’en souvenir. Il reste en tout cas ce magnifique film, passionné, passionnant, passionnel, envoûtant. (voir critique du film ici). 

Des musiques aussi : celles du CID, chabadabada, celle de la voix lancinante et réminiscente d'une douce mélancolie.

 Et puis ces rencontres belles ou insolites ou brèves ou esquissées  avec les lecteurs « in the mood » : Nicole.G, Camille.M,  Julien.L, François, Georges et tous les autres dont j’ignore le nom je suis ravie d’avoir fait votre connaissance et de vos quelques mots en direct qui m’ont encore plus donné envie de continuer à faire valser les miens sur ce blog. Aux deux D, mes cinéphiles complices de la salle bleutée, qui se reconnaîtront (j’espère:-))… Aux habitués absents qui se reconnaîtront (ou pas) que je n’ai pas oubliés. Vous avez été en moyenne plus de 500 par jour à lire ce blog pendant le festival. Je suis désolée de n'avoir peut-être pas répondu à tous les emails reçus pendant le festival concernant celui-ci, je vais y remédier prochainement...

Merci au Public Système pour cette édition particulièrement réussie...et bon courage pour faire mieux, ou déjà aussi bien, l'an prochain.

A l’année prochaine si tout va bien… En attendant de voguer vers d’autres aventures festivalières, je vous donne rendez-vous sur mon autre blog « In the mood for cinema » : http://monfestivalducinema.hautetfort.com .  Au plaisir de vous y lire et retrouver…

Voilà: Deauville, lundi 10 septembre, le festival 2007 est bel et bien terminé, et avec lui l'été à peine esquissé, l'épais brouillard se dissipe lentement, Deauville, fantomatique, peine à revenir à elle-même et à la réalité, elle aussi...:

Cinématographiquement et festivalièrement vôtre.

Sandra.M

Ps : Vous trouverez dans la colonne de droite les films de ce 33ème festival que je vous recommande, les critiques de ces films sont toutes présentes sur ce blog.

Ps2 : Pour voir l'article consacré à l'hommage à Sidney Lumet et au film « Before the devil knows you’re dead » ("7H58 ce samedi-là ")  présenté en avant-première lors du Festival, un film  que je vous recommande d’ailleurs, rendez-vous sur "In the mood for cinema": http://monfestivalducinema.hautetfort.com .